Arts plastiques Des informations, concernant quelques artistes et œuvres contemporaines emblématiques, pouvant être approfondis sur internet, qui interpellent.

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1 Arts plastiques Des informations, concernant quelques artistes et œuvres contemporaines emblématiques, pouvant être approfondis sur internet, qui interpellent notre image du corps, notre idée du corps, nos façons d’éprouver le corps à (réf. programme BAC, Ter spécialité Arts Plastiques). Chacune de ces œuvres nous interrogent: Quelles exploitations plastiques singulières sont en jeu dans l’œuvre? Quelles invitations au sens peuvent se dégager de l’œuvre proposée? Quelles résonances l’œuvre a dans l’art et la société contemporaine? (2007 – 2008, Saint-Exupéry, Marseille)

2 Absalon – Cet artiste choisit en 1988 le terme générique cellules pour ces petites pièces d’habitat minimal individuel où l’on s’isole. Entre sculpture, design, architecture et urbanisme, les compartiments d’Absalon – uniformément recouverts d’une couche de peinture blanche – jouent sur une combinatoire d’unités modulaires pour imposer l’idée de clôture spatiale et de suspension temporelle. Leurs extension et réagencement transforment successivement de simples boîtes d’apparence hygiéniste en Cellules puis en Propositions d’Habitation, lieux de réclusion parfaitement fonctionnels.

3 LES CELLULES (suite) Les constructions ambivalentes opèrent alors comme prétextes à une exhibition d’un quotidien discipliné (dormir, se nourrir, se laver, réfléchir…) par l’ergonomie irréprochable de ces « machines à habiter », telle qu’Absalon la démontrait dans ses films vidéo (ci-contre). Esthétiquement c’est le blanc qui s’inscrit sur la rétine du spectateur. Le blanc qui évoque la neutralité, la réflexion, la méditation, or le monde d’Absalon n’est pas blanc mais achrome, il n’est que pure lumière. Comment cet artiste met-il en question notre environnement, notre façon de vivre?

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5 Sophie Calle - The Hotel; Room 46. 1986
Les photographies et les comptes rendus écrits de Sophie Calle, empruntant le style descriptif du reportage ou de l'inventaire, attestent la réalité des situations qu'elle crée : femme de chambre dans un hôtel, strip-teaseuse dans une fête foraine, poursuite d'un homme à Venise, etc. Souvent fondées sur des règles et des contraintes, ses œuvres interrogent la limite poreuse entre sphère publique et sphère privée et le caractère interchangeable des positions du voyeur et de l'exhibitionniste. Le thème de la disparition de personnes ou d'objets, dont l'existence est avérée par quelques traces et dont l'absence est enregistrée par la photographie, constitue également un thème de prédilection de l'artiste. Sophie CALLE, Les Dormeurs (détail), 1979, 176 photographies (22.9 x 20.6 cm) et 23 cartels (29.2 x cm), dimension de l'ensemble x cm, La photographie peut-elle devenir un outil au service d’une posture artistique? Sophie Calle - The Hotel; Room

6 Chris Burden, Chris Burden s’est rendu célèbre dans les années soixante-dix pour ses performances qui mettaient notamment en jeu la notion de danger. La plus célèbre des performances de Chris Burden sans doute est « Shoot ». Chris Burden se fait tirer dessus, dans le bras, à la carabine, par un ami, à quinze mètres. D’autres performances assez légendaire sont à l’actif de cet artiste, les oeuvres de Chris Burden posent davantage de questions qu’elles n’offrent de réponses. Elles interrogent les fonctionnements les plus élémentaires qui régissent la société des hommes avec sa violence, ses injustices productrices de souffrance. L’art n’est-il pas ce qui nous touche, nous émeut, nous fait voir autrement le visible?

7 CHRIS BURDEN est aussi ingénieur, inventeur, créateur plasticien
CHRIS BURDEN est aussi ingénieur, inventeur, créateur plasticien. Cet artiste américain a récemment exposé sa Medusa's Head à la Fondation Cartier pour l'art contemporain à Paris. Une oeuvre spectaculaire de près de cinq mètres de diamètre, métaphore d'un monde englouti par sa propre technologie ou archéologie improbable du futur. Contreplaqué, acier, ciment, pierres, modèles réduits, cinq voies ferrées et sept trains. Courtesy Gagosian Gallery, New-York. Moonette n°5. The twist 20e siècle, 1994 Sculpture, Machefer grillagé, béton teinté, collage d'objets en bois et plastique, maquettes 170x90x270cm.

8 Jésus Raphaël Sotto Les pénétrables sont des structures sous lesquelles sont suspendues des matériaux (fines fibres plastiques, cordelettes, lames de métal) qui retombent à la verticale vers le sol. Les spectateurs sont invités à pénétrer ces espaces et éprouver différentes sensations cumulées.

9 Dans le temps du parcours le public peut être sensible aux effets sonores, le bruissement, les effets d’optiques, les couleurs, les sensations tactiles, l’envahissement de l’espace, l’immersion et l’opacité du milieu. Pourquoi un tel champ d’expérimentation, y a-t-il encore des choses à découvrir?

10 GILBERT and GEORGE En 1970 ils réalisent The Singing Sculpture : juchés sur une table et recouverts de peinture dorée, ils miment des heures durant une chanson de Flanagan & Allen, Underneath The Arches. Les costumes stricts qu’ils portent lors de ces performances, qu’ils ne dissocient pas de leur vie quotidienne, deviennent pour eux des sortes d’uniformes: ils sont des « sculptures vivantes », et tout ce qu’ils font est de l’art.

11 Artistes anglais performeurs et peintres associés depuis 40 ans, présents depuis 1970 sur la scène artistique internationale ils sont auteurs de figurations parfois osées. Leurs travaux montrent des photomontages gigantesques, d’abord en noir et blanc, puis teintés de vives couleurs primaires, et découpés en carreaux cernés de noir, à la manière de vitraux. Ils se représentent souvent dans leurs œuvres, ils sont volontairement provocateurs, mais leurs œuvres font toujours sens. Ce couple d’artistes, tout en provoquant ou effleurant certaines sensibilités, reflète-t-il notre monde?

12 Abramovic & Ulay prennent en compte l'espace, le temps et le corps
Abramovic & Ulay prennent en compte l'espace, le temps et le corps. Les performances impliquent le spectateur à participer à une situation vécue par les artistes en même temps. Le temps est déterminé par la durée qu'ils peuvent endurer (qui peut être quelques minutes ou plusieurs jours). Les performances d'Abramovic et Ulay prennent fin à l'épuisement d'une action "symbiotique", (ou à la fermeture du lieu d'exposition). Ils sont parfois nus, parfois habillés; à l'intérieur ou à l'extérieur, voire entre les deux (entre montants d'une porte).

13 Marina Abramovic et Ulay Abramovic et Ulay, couple mythique des années soixante-dix/quatre-vingts. De 1976 à 1988, ils ont expérimenté les limites du possible en explorant celles du corps, de leurs corps, et celles des relations masculin-féminin. ils sont restés, face à face, huit heures immobiles, assis de chaque côté d'une longue table. Ailleurs, on les a vus se jeter corps contre corps, se précipiter contre des murs, charrier des briques, s'embrasser à perdre le souffle, se gifler ou se hurler dessus jusqu'à ce qu'épuisement s'ensuive. Deux corps ensemble, dans la communion ou l'affrontement, dans l'amour qui ressemble parfois à la haine, à endurer la douleur, le silence. Deux êtres en quête de l'harmonie totale du corps et de l'esprit. Miroir de nos vies, de nos échanges, de nos drames, de notre existence, ces regards d’artistes, ces performances, renferment quelle beauté?

14 Duane HANSON Duane Hanson ( ) est moins connu que ses oeuvres qui comptent pami les plus populaires de l'art contemporain. " Supermarket Lady ", une ménagère épaisse, qui pousse son caddie bourré de victuailles avec ses bigoudis sur la tête. Millésimée 1969, cette oeuvre inaugure une longue série de sculptures hyperréalistes en résine de polyester et peintes à l’huile dressant un constat de quelques morceaux d’humanité ordinaire américaine aussi vrai que nature.

15 Plus récemment, la dénonciation de la société de consommation, du matérialisme et de la violence laisse place dans le travail de Duane Hanson à la représentation de personnages-types, universels par leur vulnérabilité, leurs défauts et leur désarroi. Duane Hanson, Traveller, 1988, autobody, filler, fibreglass and mixed media ith accessories life size. Duane Hanson, Self-Portrait with Model, polyvinyl, "Collection of the Estate of Duane Hanson" Art Comment une sculpture hyperréaliste peut-elle avoir le statut d’une œuvre d’art?

16 Annette Messager 'Faire de l'art, c'est truquer le réel'. A travers des installations qui combinent photographies, dessins, broderies, couture, animaux empaillés, poupées, peluches, objets divers, Annette Messager construit depuis les années 1970 une autobiographie fictive dont, telle une petite fille capricieuse et jalouse, elle s'approprie les éléments qui deviennent ses jouets : 'Mes trophées', 'Mes petites effigies', 'Mes pensionnaires', 'Mes jalousies', 'Ma collection de proverbes', 'Ma vie pratique'. Annette Messager met en scène le devenir inquiétant des objets familiers et des jeux d'enfant. En elle réalise une série d'oeuvres entre la photographie et la sculpture, intitulée 'Mes voeux'. Chacune est un assemblage spatial de photographies en noir et blanc, de petit format, qui représentent des fragments d'anatomie humaine. Un genou, un orteil, un sein, une bouche... Des morceaux d'hommes et de femmes mélangés, découpés dans des cadres noirs et pendus au bout de minces ficelles. Devant 'Mes voeux', on a l'impression de regarder son propre corps fragmenté dans une étrange autobiographie de tout le monde.

17 Annette Messager avec son étonnant répertoire de formes et de matériaux (peluches, animaux naturalisés, tissu, laine, photographies, dessins…), mêle les registres, joue de nos sensations et de nos sentiments avec une remarquable virtuosité. Qu’est-ce qui est perturbant, insolite et généreux dans ce travail? L'univers d'Annette Messager repose sur une dualité subtile, suscitant chez le visiteur des sensations contradictoires, entre attraction et répulsion.

18 Ron Mueck les visiteurs qu’ils soient grands ou petits, seront de toute façon toujours plus petits ou plus grands que ces sculptures qui sont de nature à rassembler autour d’elles, autour de leur inquiétante étrangeté constituant un autre reflet de nous-mêmes, de notre humanité, dont l’apparence formelle est bien celle d’un hominidé mais dont l’origine vient perturber la taille que l’on attribue au monde de l’enfance ou de l’adulte. Les œuvres de Ron Mueck semblent révéler en partie l’intimité de ces personnages pour laisser finalement la subjectivité du visiteur en reconstituer l’histoire personnelle suggérée par leur univers.

19 Les sculptures de Ron Mueck reproduisent le corps humain dans ses plus minutieux détails grâce à la silicone, la résine polyester et la peinture à l’huile. Il est celui qui a profondément renouvelé la question de la sculpture contemporaine par ses sculptures monumentales ou étrangement petites qui créent une tension entre notre univers réel et le monde fantasmagorique qu'il y intègre. Les personnages plongés dans leurs pensées semblent vivants, les plus petits détails sont présents. Les œuvres de Ron Mueck fascinent et troublent à la fois. Ses sculptures donnent l'impression d'être vivantes. Ce sentiment de malaise est amplifié par un élément très important : elles ne sont jamais à taille humaine en dépit de leur aspect "plus vrai que nature ". Comment le simple changement d’échelle suffirait-il a créer l’écart qui fait œuvre?

20 Les autoportraits de Cindy Sherman où elle se met en scène dans des costumes et des attitudes variées sont autant de questionnement sur l'identité et ses modes de représentations. L'œuvre de l'artiste américaine est influencée par de nombreux et très différents types d'images : de l'image picturale et cinématographique à l'image de publicité, de magazine ou encore à l'image érotique. Cindy Sherman Untitled 2004 Sherman, Autoportrait en Bacchus (Caravage), 66 x 52 cm Sherman, sans titre 203, x cm Cindy Sherman est un cas unique dans le choix de son modèle : elle-même, toujours. Et nous parlons de modèle et non de sujet, car si, à quelques exceptions de figurines en plastique, elle est la seule figure sur la pellicule, il ne s'agit pas d'autoportraits. Au contraire, son oeuvre constitue une galerie de stéréotypes sociaux et culturels, de personnages construits, qui interrogent l'identité, notamment féminine, et les représentations et fantasmes qu'elle véhicule.

21 C’est avec une série d’autoportraits en noir et blanc des années 80 - où l’artiste se met en scène en plagiant les photographies d’actrices de cinéma des années 50 et 60 que Cindy Sherman se fait connaître. Sherman, sans titre 35.6 x cm, sépia C’est une des premières artistes à construire une œuvre avec pour seul support la photographie, comment peut-on être sensible à se travail?

22 Mona Hatoum est une artiste libanaise qui a débuté sa carrière au cours des années 80. Elle est née en Palestine, elle a grandi à Beyrouth et elle vit à Londres depuis 1975. Light sentence, 1992 Hot spot, 2006 «Elle puisait loin dans sa propre expérience de l’exil, dans sa nostalgie du pays natal, sa colère et son indignation face à la dépossession de son peuple, son sentiment que le monde est un endroit étrange et souvent hostile»

23 The Mexican Cage, Mona Hatoum, 2002.
Finalement, le passé de Mona Hatoum a amené cette femme à devenir une artiste hors du commun. Suivant le courant minimaliste, elle a su passer ses messages avec le minimum d’objets nécessaires. De la performance à la vidéo et de la sculpture et l’installation, elle a su nous démontrer son profond scepticisme quant à la possibilité de se sentir chez elle, où qu’elle soit, dans le monde. The Mexican Cage, Mona Hatoum, 2002. The friendly colors of the cage work in contrast with the unfriendly nature of the cage. Carte, 1998 De la performance à la vidéo et de la sculpture et l’installation le vrai moteur de la création de Mona Hatoum est ailleurs, où est cet ailleurs?

24 Antony Gormley ne représente pas le corps, son corps, mais l’espace qu’il occupe.
Antony Gormley, Capacitor II, 2002 Stainless steel bars, 4.76 mm x 4.76mm. Approximately 50 Domain sculptures, various sizes, derived from moulds of local inhabitants of Newcastle Gateshead aged 2½ years. Une grande partie de l’oeuvre sculpturale d’Antony Gormley prend forme à partir de son corps moulé dans du plâtre puis coulé de fer ou de plomb. La figure est figée, immobile, tendue ou accroupie… Si elle représente l’homme, elle évoque aussi surtout l’intériorité. La sculpture est alors un lien entre “l’intérieur” et “l’extérieur”.

25 Another Place Learning to Think
Le corps humain sous-tend la démarche artistique de Gormley. Il en constitue l’unité de départ comme l’étalon de mesure. Représenté comme un tout renfermant des parties indépendantes, il est perçu dans sa réalité physique. Agrégat moléculaire ou champ énergétique, le corps, chez Gormley, est toujours dynamique et ouvert, inscrit dans l’espace qui l’environne. "J'essaie de m'imaginer à quoi ressemble le fait d'être humain. Je veux capturer dans la sculpture l'expérience humaine qui est cachée. Je le fais avec des choses simples ». Être debout, ici ou ailleurs, regarder dans la direction de l’artiste qui nous renvoie notre image, quelle est la profondeur artistique, la richesse plastique? Another Place Learning to Think

26 Andy Goldsworthy Une métaphore de la relation “homme - nature”. Si Goldsworthy conserve la mémoire de son travail, son intention n’est pas de “marquer le paysage”. Il travaille avec lui. Ses installations expriment une harmonie avec le monde naturel. Peu importe que l’oeuvre soit éphémère. Si la nature n’a pas besoin du sculpteur, lui, a besoin d’elle. " Je ne crois pas que la terre ait besoin de moi. Mais moi j'ai besoin d'elle. " , " La véritable œuvre est le changement. (…) Le mouvement, le changement, la croissance et la destruction représentent la vie, la nature, les énergies que j'essaie d'atteindre dans mon travail. J'ai besoin de la surprise, de la résistance de l'endroit, des matériaux et du temps. ". « Mon approche de la terre a commencé par réaction contre la géométrie. Je trouvais arrogant de l'imposer à la nature, et je le pense toujours. Mais je me rends compte, aujourd'hui, qu'il est arrogant de considérer que l'homme est l'inventeur de la géométrie. En ce qui concerne mes propres travaux, il me semble que la géométrie s'y trouve au même degré que dans la nature. » Befor the Mirror ANDY GOLDSWORTHY. EN LAS ENTRAÑAS DEL ÁRBOL

27 Andy Goldsworthy Andy Goldsworthy est au plus près de ce qu’est la vie, éternelle, éphémère, changeante et permanente. Une de ses créations est de s’étendre par terre sous la pluie, il se relève et laisse l’ombre de son corps dessinée par la terre sèche, bien vite recouverte à son tour de pluie. The large stone within Shadow Stone Fold in the Country Park was placed by Andy Goldsworthy as an invitation for people to add their presence to the work. Allongé jusqu'à ce qu'il pleuve ou neige, attendu que le sol soit mouillé ou couvert de neige pour me lever 5 mars 1988 Comment l’artiste Andy Goldsworthy traite-t-il la question du rapport homme - nature?

28 Richard Long Circle India, Richard Long
Richard Long arpente le monde. Il marche, passe et repasse selon des règles qu'il s'est données, laissant ainsi des traces dans le paysage. Il s'est rendu célèbre en 1967 en réalisant une sculpture faite en marchant : A line made by walking.

29 Richard Long marche, il enregistre ses marches, le nombre de pas, la distance, le temps, les lieux où il passe. Parfois il marque son passage d’un assemblage de pierres, infime modification du paysage. Parfois, il ramène des traces de ses périples; de retour de ce monde naturel, sauvage, il vient témoigner devant le monde urbain, nous apporter quelques signes, quelques souvenirs de voyage étranges pour nous faire entrevoir cet autre monde et rêver. Son travail matérialise d’abord la présence de l’homme sur la Terre, le long débat du désordre et de l’ordre : à travers l’œuvre se superposent l’apparent désordre de la nature et l’ordre apparent de l’intervention humaine. Je considère que mes sculptures de paysage occupent un riche territoire entre deux positions idéologiques, en l'espèce faire des "monuments" ou l'inverse "ne laisser que des empreintes de pas. » Composées généralement de pierres et / ou de boue, ses oeuvres extérieures, ses installations in situ et ses dessins muraux ont la propriété de prendre la matière telle qu'elle existe, sans autre transformation que la manipulation directe. Où est le support, où est la matière, où est le geste, où est le sens, où est l’œuvre?

30 Giuseppe Penone est un artiste contemporain italien, considéré comme un artiste majeur de l'Arte Povera, mouvement d'avant-garde italien, né dans les années soixante. Il travaille la sculpture, le dessin, les installations, et plus particulièrement l'intervention dans le paysage naturel. Il s'est manifesté sur la scène artistique internationale dès 1968, en travaillant à mettre en relation le monde végétal et le corps. Alpi marittime, Il poursuivra sa croissance sauf en ce point, acier / arbre, 1968

31 Giuseppe Penone L’artiste aborde de différentes manières la relation du corps à l’œuvre. Que ce soit par l’implication de son propre corps dans ses sculptures qui articulent nature végétale et nature humaine jusqu’à la métamorphose de l’une dans l’autre, ou dans des travaux à partir de ses propres empreintes. Giuseppe Penone. Rovesciare i propri occhi (Giuseppe Penone. To Turn Upside Down Your Own Eyes), Turin1970 Giuseppe Penone, Soffio 6, 1978, terre cuite, 158 x 75 x 79 cm.

32 Roman OPALKA

33 Roman Opalka : "Ma position fondamentale, programme de toute ma vie, se traduit dans un processus de travail enregistrant une progression qui est à la fois un document sur le temps et sa définition". Dans son atelier, après chaque journée de travail, Opalka prend une photographie de son visage toujours dans les mêmes conditions d'éclairage, d'attitude et de vêtement, révélant ainsi une image de sa visualisation du temps qui peut se lire au cours des années.

34 Roman Opalka est un artiste que l'on pourrait caractériser de protocolaire. En effet, depuis 1965, il peint des lignes de nombres sur une toile. Ses nombres sont en blanc sur fond noir, il commence par peindre du coin supérieur gauche jusqu'au coin inférieur droit. Partant de 1 en 1965, il a atteint en 1972 le nombre À partir de cette date, il décide d'éclaircir d'ajouter 1% de blanc au fond de chaque toile qu'il appelle « Détail ». Chaque détail s'éclaircit donc progressivement, jusqu'à ce que chaque Détail soit de nos jours presque blanc. Chaque « Détail » est une toile de 196 x 135 cm, les chiffres sont réalisés avec un pinceau n°0. Lors de la réalisation de chaque Détail, il énumère la suite de nombres qu'il peint. Cette énumération est enregistrée à l'aide d'un magnétophone. Aussi, pour bien marquer le temps qui passe, lorsqu'il termine une séance de travail, il prend une photographie de lui même dans des conditions invariablement identique d'une photo à l'autre : fond blanc (en fait le « Détail » en cours), avec une chemise blanche, baignant dans un éclairage blanc, avec toujours la même expression sur le visage. À ce jour, Opalka en est à son 227 « Détail », le 22 juillet 2004, il était arrivé au nombre (source : Le Monde du 31 juillet 2004). Il peint environ 380 nombres par jour.