L’art de la première moitié du XXème siècle Le fauvisme, L’expressionnisme allemand, L’art non-objectif Le cubisme, le néoplasticisme, le suprématisme L’imaginaire : Dada, art fantastique, le réalisme magique, le surréalisme

Les -ismes de l’art du XXème siècle l’expressionnisme, mettant l’accent sur l’attitude émotionnelle de l’artiste (envers lui-même et le monde extérieur); l’art abstrait, préoccupé par la structure formelle de la réalité et de l’œuvre d’art; Et l’art fantastique ou imaginaire, explorant l’imagination, la pensée spontanée, non-reprimée, irrationnelle, le monde intérieur, subjectif de l’artiste. Pour pouvoir nous orienter dans les nombreux -ismes de l’art de la première moitié du XXème siècle, nous allons parler de trois grands courants, tous apparus chez les post-impressionnistes, auxquels tous ces -ismes pourront se rattacher:

La force expressive de la couleur pure: le fauvisme, Henri Matisse Suite à leurs décès, plusieurs expositions des œuvres de van Gogh, Gauguin et Cézanne (morts en 1890, 1903 et 1906) ont lieu à Paris. Les couleurs vives et les distorsions délibérées influencent les jeunes artistes. Parmi eux, Henri Matisse ( ) se distingue comme un chef d’école. D’autres peintres vont exposer avec lui: Vlaminck, Derain, Delaunay, Kees Van Dongen et d’autres…. Lors de la première apparition publique du groupe, au Salon d'automne de 1905, leurs œuvres provoquent un scandale par les couleurs pures et violentes posées en aplat sur leurs toiles. À la vue de ces tableaux regroupés dans une même salle, le critique Louis Vauxcelles compare l'endroit à une « cage aux fauves ». L'appellation de « fauves » est aussitôt adoptée et revendiquée par les peintres eux-mêmes.

Le fauvisme Le fauvisme est caractérisé par l'audace de la couleur: Les fauvistes séparent la couleur de sa référence à l'objet afin d'accentuer l'expression. Ces artistes revendiquent un art fondé sur l'instinct et utilisent les couleurs pures et vives. La représentation toutefois, conserve sa référence à la réalité. Derain, Bateaux dans le port de Colliure, 1905Matisse, Vue de Colliure, 1905

Le fauvisme, André Derain ( ) André Derain, Estaque, 1905Bateaux dans le port de Colliure, 1905

Le fauvisme, Henri Matisse ( ) Le plus âgé et le plus important des peintres fauvistes est Henri Matisse. À 21 ans, il quitte ses études de droit pour se consacrer à la peinture, y découvrant, pendant une réconvalescence, source de joie et de plaisir. Il débute en copiant les peintres plus âgés… Matisse absorbe l’influence impressionniste et post-impressionniste: le pointillisme de Signac, les distorsions de Cézanne, la couleur exagérée de Gauguin…

…puis pousse plus loin l’émancipation de la couleur du rendu réaliste, comme dans ces deux portraits de sa femme… Madame Matisse au chapeau, 1905 Madame Matisse à la raie verte, 1905

Dans Luxe, calme et volupté de Cézanne, l’héritage pointilliste est évident, le sujet est une reprise des baigneuses de Cézanne, mais Matisse emploie librement les couleurs vives et intenses n’ont plus qu’une vague référence à la réalité… Matisse, Luxe, calme et volupté, Paul Cézanne, Les baigneuses, 1875

Paul Cézanne, Les baigneuses, 1875, ,

La joie de vivre, un grand tableau que Matisse peint en 1905, est probablement peut être considéré comme un manifeste du fauvisme: les couleurs pures sont appliquées en aplats, les silhouettes sont simplifiés et cernées d’une ligne qui ondule. Matisse, La joie de vivre, 1905

Le Titien, Bacchanale, 1518 Matisse, La joie de vivre, 1905 Par la pose des figures, Matisse reprend La Bacchanale de Titien: c’est un exercice de style, Matisse semble avant tout rechercher l’arrangement rythmique de la couleur et des lignes sur une surface plane… Les corps restent anatomiquement corrects.

« Ce que je recherche avant tout, c’est l’expression, mais… l’expression n’est pas une passion reflétée sur le visage humain… Toute la composition de mon œuvre est expressive. La place des figures et des objets, les espaces vides autour d’eux, les proportions, tout joue un rôle.» Matisse, Danse, 1910

Dans ses natures mortes, Matisse s’essaie aux distorsions de l’espace de Cézanne, mais surtout continue les recherches sur l’intégration de l’ornement dans la composition. Henri Matisse, 1909, Nature morte à la nappe bleu Cézanne, , Nature morte à la bouteille de menthe

Dans cette peinture appelée La desserte (Harmonie en rouge), , nous voyons l’ornement devenir le point d’appui de la composition alors que la couleur devient l’élément essentiel du tableau. La desserte (Harmonie en rouge), Matisse,

La couleur est l’élément essentiel de la structure de ce tableau. L’espace en perspective n’apparait que grâce aux quelque lignes oranges sur fond rouge, indiquant à peine les frontières entre les objets et l’espace… Matisse, Atelier rouge, 1911

Matisse tente aussi les distorsions dans son tableau peint en 1906, Nu bleu (Souvenir de Biskra), mais se trouvera découragé par les mauvaises critiques, et revient aux corps anatomiquement corrects, tels que nous lui connaissons depuis La joie de vivre, qui vont, vers la fin de sa vie, évoluer en collages monochromes… Nu rose, 1935 Nu Bleu IV, 1952 Nu bleu (Souvenir de Biskra), 1906

Alors que son espace va devenir espace de décoration puis décoration…

Matisse: « Ce que je recherche avant tout, c’est l’expression, mais… l’expression n’est pas une passion reflétée sur le visage humain… Toute la composition de mon œuvre est expressive. La place des figures et des objets, les espaces vides autour d’eux, les proportions, tout joue un rôle.» Matisse, Danse, 1910

Pendant ce temps en Allemagne: l’expressionnisme allemand Cette expression va avoir une toute autre portée en Allemagne, où les artistes s’associent en groupes: Die Brücke (« Le Pont », entre 1905 et 1913 à Dresde & Berlin), dont nous allons mentionner Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff et Emil Nolde et Der Blaue Reiter (Le Cavalier bleu, Plavi jahač, formé à Munich en 1906) (dont Vassili Kandinsky, un russe vivant en Allemagne)…

Die Brücke (« Le Pont », entre 1905 et 1913 à Dresde & Berlin) Die Brücke veut détruire les vieilles conventions comme cela est en train de se produire en France, le but étant de rendre l'immédiateté de l'expression des émotions de l'artiste: le dessin est rapide, les couleurs vives, pures ou peu mélangées. Le groupe se préoccupe moins des aspects formels: pour ces Allemands, le contenu est plus important que la forme, ce qui distingue l’expressionnisme allemand du fauvisme français, et ajoute à leurs œuvres la charge de critique sociale. Leur style est basé sur les couleurs vives, opposées, les formes tourmentées, les images violentes et une influence du primitivisme (ici art africain). Le nu, symbole de l'état paradisiaque initial, est leur motif préféré, ainsi que les décors urbains. Ils peignent aussi les sujets classiques comme les paysages, natures mortes ou portraits.

Expressionnisme allemand: Die Die Brücke Ernst Ludwig Kirchner ( ) Kirchner est considéré comme le peintre représentant le mieux Die Brücke. Hypersensible, il retrace les rues et la vie urbaine de Berlin. Le dessin rapide, les formes anguleuses et les couleurs acides expriment le malaise de leur auteur. Kirchner, Rue à Dresde, 1908 Kirchner, Scène de rue à Berlin 1913

Dans L’œuvre de Kirchner est visible l’influence directe de Munch, qui vivait à Berlin à cette époque. Munch, Soirée sur l’avenue Karl Johan, 1892Kirchner, Rue à Dresde, 1908

Expressionnisme allemand: Emil Nolde ( ) Influencé par le belge James Ensor et par Vincent Van Gogh, Nolde est fortement attiré par le primitivisme noir et le mythe du sauvage. Bien qu’il se joint au groupe Die Brücke plus tard, et le quitte en 1911, son inspiration de caractère psychologique et instinctive, fait de lui le peintre expressionniste par excellence.

Vers 1909, et après une grave maladie, Nolde commence à peindre des tableaux de thèmes religieux dans lesquels il exprime son inspiration mystique, comme dans cette Cène peinte en Nolde, La Cène, 1909

Der Blaue Reiter, Munich, (Le Cavalier bleu, Plavi jahač) Le « Cavalier bleu » pousse plus loin les recherches pour l'émancipation de l'art. Le nom du groupe reprend le titre d'un tableau de Vassili Kandinsky, dont la personnalité domine le groupe. Au sein du groupe, Kandinsky expérimente avec l’art non objectif.

Vassili Kandinsky ( ), art non-objectif A partir de 1910, utilisant les couleurs et la ligne dynamique des fauves parisiens, Kandinsky crée un style entièrement non-objectif, éliminant toute recherche de ressemblance, de représentation du monde réel, où les traces du figuratif, reconnaissable ne sont que fortuites. Kandinsky dit répondre à un appel spontané et irrésistible de l’âme, exprimer sa « nécessité intérieure » dans sa peinture, et non pas peindre en réponse aux incitations extérieures fortuites telles un paysage, un corps… rejoignant ainsi le vocabulaire romantique… Esquisse pour la Composition VII, , Bordure blanche (Saint Georges terrassant le dragon)

Vassili Kandinsky, Esquisse pour la Composition VII, 1913

Les titres de ses œuvres sont aussi abstraits que ses formes, et proviennent du langage de la musique, tels que « Composition », « Fugue », « Improvisation » etc… Kandinsky, Fugue 1914 Kandinsky, Improvisation, 1914

La couleur, l’expression, les fauvistes et la peinture non- objective. Les expressionnistes allemands Depuis longtemps nous avons vu les peintres parler de la force expressive de la couleur, par laquelle passe l’émotion… Van Gogh exprime « les terribles passions de l’homme » par ses contrastes du vert et du rouge… Ces couleurs, même si intensifiées, gardent leur référence à la réalité. Chez Gauguin, les couleurs brillantes ne sont pas tout à fait naturelles. Ce sont les fauvistes qui vont séparer la couleur de la réalité (mais garder la représentation). Matisse parle d’expression mais précise que « l’expression n’est pas une passion reflétée sur le visage humain… Toute la composition de mon œuvre est expressive.» C’est Kandinsky qui va franchir le pas suivant, libérant du contenu « narratif » le sujet de la représentation… c’est l’art non-objectif. Pour les expressionnistes allemands, au contraire, le contenu est plus important que la forme, ce qui ajoute à leurs œuvres la charge de critique sociale. Kirchner, avec ses couleurs stridentes, exprime son malaise au milieu de la foule urbaine de son époque.

Couleur intensifiée, pas tout à fait objective, couleur sans référence à la réalité, couleur expressive, peinture non-objective

Art non objectif: Vassili Kandinsky, Esquisse pour la Composition VII, 1913

Le fauvisme de Matisse, France: la couleur l’élément essentiel du tableau, l’ornement intégré dans la composition. « Toute la composition de mon œuvre est expressive. La place des figures et des objets, les espaces vides autour d’eux, les proportions, tout joue un rôle.» La desserte (Harmonie en rouge), Matisse,

« Ce que je recherche avant tout, c’est l’expression, mais… l’expression n’est pas une passion reflétée sur le visage humain… Toute la composition de mon œuvre est expressive. La place des figures et des objets, les espaces vides autour d’eux, les proportions, tout joue un rôle.» Matisse, Danse, 1910

Expressionnisme allemand: Die Brücke (« Le Pont », entre 1905 et 1913 à Dresde & Berlin), Kirchner: exprimer son malaise, peut acquérir la dimension de critique sociale… Kirchner, Rue à Dresde, 1908 Kirchner, Scène de rue à Berlin 1913

Abstrait vs. Non-figuratif (non-objectif) Art abstrait signifie que l’artiste a analysé et simplifié les formes de la réalité visible (comme le procédé de Cézanne, déclarant que toutes les formes naturelles sont basées sur le cône, la sphère et le cylindre). Nous parlons d’abstraction dans le procédé de Cézanne, et nous allons surtout en parler avec le cubisme et les courants qui le suivent (et qui gardent une référence à la réalité). Art non-figuratif ou non-objectif charge la forme et la couleur d’une signification autonome, sans référence au monde réel (sans référence à un objet).