Des peintres et des courants L’art de peindre Des peintres et des courants

Des mots pour le dire en français.....

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(Pablo Ruiz y Picasso) 1881–1973 Pablo Picasso (Pablo Ruiz y Picasso) 1881–1973

Pablo Picasso Peintre espagnol, sculpteur, dessinateur, et céramiste qui a travaillé en France. Il est généralement considéré comme un virtuose dans l’art de peindre, un artiste très changeant, original et prolifique qui a été l’artiste le plus connu du 20 ème siècle..

Jeunesse et premiers travaux Avec d’excellents croquis, Picasso a été admis dans un cours supérieur à la Royal Academy of Art à Barcelona à l’âge de 15 ans. Après 1900 il a passé la plupart de spn termps à Paris, en s’y installant de 1904 à 1947, puis il a déménagé dans le Sud de la France. Sa forte personnalité se révèle dans ses premiers travaux qui ont été influencés par la peintre Toulouse-Lautrec (comme la peinture Vieille femme,de 1901, au musée Philadelphia Museum of Art). Les productions de Picasso sont habituellement classées en plusieurs périodes. La période bleue (1901–1904) est une période où le peintre décrit le monde de la pauvreté. Le ton bleu prédomine, ces peintures sont mélancoliques comme le vieux guitariste, de 1903.

(1903; Institut des Arts de Chicago), Pablo Picasso Le vieux guitariste (1903; Institut des Arts de Chicago), Pablo Picasso

Période bleue (1901-1904) Les "monochromes" de Picasso dans sa période bleue sont quelque chose d’original dans l’histoire de l’art. Même si les monochromes gris des grisailles étaient bien connus depuis le moyen-âge, de telles peintures où toute chose est plongée profondément dans le bleu est seulement connu des photographes de cette époque.   Les peintures bleues de Picasso constituent un groupe d’oeuvres produites continuellement pendant une période relativement courte (3 ans!). En plus, ces peintures n’ont pas seulement en commun la couleur bleue, mais aussi les thèmes et les motifs. Ces peintures ne sont pas réalistes, elles prennent une distance avec la réalité.  Au moment où la période bleue a atteint son sommet, même les portraits étaient peints avec des ombres bleues. 

Période bleue(1901-1904) La couleur bleue n’est pas venue dans les toiles de Picasso en un jour pour disparaître en une nuit.  Pendant toute sa carrière artistique est souvent retourné à sa période bleue, particulièrement quand il était déprimé ou dans un état dépressif. Les peintures connues de cette période sont: "Celestina" (1903), La Vie (1903), « La femme au corbeau" (1904), « La mère et l’enfant" (1903), « L’ Harlequin au miroir" (1901)

Autoportait (1901) La vie (1903)

Jeunesse et premiers travaux (suite) Les toiles de la “période rose” (1905–1956) Se caractérise par une palette aux tons plus clairs et un style plus lyrique, avec des sujets tirés de la vie du cirque. A partir de 1904 il y a eu des changements positifs dans la vie de Picasso. Il a installé son atelier au Bateau-Lavoir en 1904, et a rencontré Fernande Olivier, avec qui il est resté pendant six ans.  Elle a apporté du bonheur dans sa vie; peu à peu de nouvelles couleurs et formes, des nuances sont apparues dans sa peinture: rose tendre, rouge chaud et d’autres couleurs claires. C’est surtout visible dans son autoportrait de 1906 (Monaco 1981). Le studio parisien de Picasso a attiré les plus grands peintres de l’avant-garde de cette époque, dont Matisse, Braque, Apollinaire, and Gertrude Stein. Il avait déjà créé un nombre important de gravures très fortes et commençait son travail de sculpture.

La famille des acrobates, 1905 Femme Période rose (1905 –1906) Picasso s’intéresse alors à de nouveaux thèmes, le monde des artistes de rue et les acrobates. Ces thèmes vont l’occuper pendant longtemps.  Parmi les peintures célèbres de cette période, il y a : La famille des acrobates, de 1905, Harlequin à cheval, de 1905, « femme se peignant" (1906), Femme… La famille des acrobates, 1905 Femme

L’organiste et Harlequin 1905

Le cubisme (1906-1915) Le cubisme a été une coupure dans la tradition artistique et est devenu un grand courant artistique et pictural (de peinture) du 20ème siècle. Le cubisme s’interdit de montrer la réalité reality, explose les formes bien connues, dissèque le visible en petites particules et les place (les recompose) dans l’espace d’une autre façon. Seuls quelques motifs comme les paysages, gardent leur forme originale. En 1907 Picasso peint Les Demoiselles d'Avignon (Au Museum of Modern Art, New York City), nouveau départ pour l’art car cette toile est considéré comme le travail le plus significatif dans la naissance du cubisme et l’art abstrait. L’influence de Cézanne et de la sculpture africaine est évidente dans cette toile de formes fragmentées où les corps se tordent. Cette peinture est la première phase du cubisme appelée « cubisme analytique ».

Les Demoiselles d'Avignon (Mus. of Modern Art, New York City), Pablo Picasso

Casserole en émail (Pablo Picasso)

CUBISME (suite) Ce nouveau style sévère et plutôt intellectuel a été conçu et développé par Picasso, Braque, et le Femme nue (1910–1911; Philadelphia Mus. of Art) est une peinture représentative de ce style tandis que la Tête de femme (1909; Mus. of Modern Art, New York City) est une sculpture de ce style. Les créations cubistes de Picasso expriment l’idée que l’art doit exister en tant qu’objet indépendant et libre de la réalité car il ne « copie » pas ou ne « recrée » pas la réalité. Pendant ses deux périodes d’expérimentations du cubisme, plusieurs techniques sont nées comme le collage et le papier collé. Au cours de sa période finale (après 1912), le cubisme est devenu plus large, plus figuratif et plus plat, des motifs décoratifs clairs ont remplacé les compositions plutôt austère du début. Les trois musiciens (1921; Mus. of Modern Art, New York City) est un exemple de ce style.

(1921; Mus. of Modern Art, New York City) Trois musiciens (1921; Mus. of Modern Art, New York City)

Autres innovations stylistiques Picasso a une énorme énergie et il est très fécond (productif). Cette puissance créative s’est de nouveau manifesté après l’expérience cubiste par de nouvelles recherches. En 1920 il s’est mis à dessiner sur des thèmes classiques et a produit des nus monumentaux (géants) magnifiques et monstrueux qui étaient des souvenirs de l’antiquité et étaient réalisés avec une certaine ironie angoissée. Ces travaux sont apparus simultanément avec le cubisme synthétique. Picasso a été salué en son temps comme un précurseur du surréalisme, mais son approche intellectuelle était différente, plutôt opposée à l’esthétique irrationnelle des peintres surréalistes.

Classicisme (1916-1925) Pendant la période 1916-1925 la vie artistique et privée de Picasso a beaucoup changé. En nette opposition au «déconstructivisme » de ses travaux cubistes, Picasso s’est mis à créer des peintures harmonieuses et monumentales. En 1917 Picasso a visité l’Italie, avec son ami le poète Guillaume Apollinaire. Durang cette visite il a rencontré la danseuse de ballet russe, Olga Koklova, avec qui il s’est marié un an plus tard à Paris. Leur fils Paolo est né en 1921, et Poicasso âgé de 40 ans est devenu père de famille pour la première fois de sa vie.

Olga Koklova (1917) La cage d’oiseau 1923

Le surréalisme (1925-1934) Femme au miroir 1932 Vers 1925 Picasso a de nouveau changé de style, à présent il peignait des toiles influencées par la vie quotidienne. En même temps il était très occupé par la sculpture et cette expérience dans d’un nouveau domaine a eu de l’influence plus tard sur sa peinture et son dessin.   Femme au miroir 1932

Autres innovations stylistiques (suite) L’artiste a pensé renforcer l’aspect émotionnel de son travail et s’est intéressé à l’expression de la détresse. En 1937 le bombardement de la ville espagnole Guernica, où un seul arbre est resté debout l’a poussé à produire une peinture qui est une oeuvre marquante, Guernica (Queen Sophia Center of Art, Madrid), une allégorie impressionnante contre le fascisme et la guerre. Longtemps conservé au Museum of Modern Art à New York, cette toile a été envoyée en Espagne au Musée du Prado à Madrid en 1981, et a été ensuite déplacée au Centre des arts de la reine Sophie, à Madrid, en 1992. L’argent gagné par Picasso de la série de copies de la toile Guernica en 1930 a été envoyé pour aider la cause républicaine.

(Centre des arts de la reine Sophia, Madrid), Pablo Picasso Guernica (Centre des arts de la reine Sophia, Madrid), Pablo Picasso

Le Pull jaune 1939

Période de maturité Plus tard Picasso s’est tourné vers des créations fantaisistes et des trouvailles comiques. Il a continué de travailler ses sculptures, céramiques, et l’art graphique, produisant des centaines de superbes dessins, illustrations, et décor de théâtre. Avec une vigueur exceptionnelle, il a peint de brillantes variations sur des travaux de grands maîtres comme Delacroix et Velazquez, et a continué d’explorer de nouveaux aspets de ses visions personnelles jusqu’à sa mort. Parmi ses derniers travaux remarquables il y a l’ Enlévement des Sabines (1963; Picasso Mus., Paris) et le Jeune baigneur avec sa pelle à sable (1971; collection privée, France).

Enlévement des Sabines (1963; Picasso Mus., Paris)

L’infante Marguerite 1957

Pop Art

Pop Art Qu’est-ce que c’est? Au 20ème siècle, c’est un mouvement artistique (autour des années 50) Il utilise les images et les techniques de la consommation et de la culture populaire. C’est une réaction contre l’art abstrait Il favorise l’art figuratif et la reproduction des objets de la vie quotidienne, comme une boîte de conserve de soupe instantanée, la bande dessinée et les publicités. Le mouvement élimine les distinctions entre le « bon » et le « mauvais » goût et entre l’art et les techniques commerciales.

Pop Art Où est né le Pop Art? Au début, il est né aux Etats-Unis et en Angleterre C’est un mouvement artistique lié à la prospérité d’après la seconde guerre mondiale Les artistes de ce mouvement répondent dans leurs productions à la société de consommation. Le Pop Art en Grande Bretagne a été moins provocateur. Il avait plutôt un goût nostalgique.

Pop Art Caractéristiques principales du mouvement pop art à son époque? L’artiste Pop préfère les images d’objects de la vie quotidienne comme les boîtes de conserve de Andy Warhol ou les BD de Roy Liechtenstein ou même les bouteilles de Coca Cola. Typique de l’attitude du mouvement Pop Art a été l’utilisation des sérigraphies, photos réalistes, techniques d’imprimerie en série de Andy Warhol. Rejet des différences entre les arts et le commerce. Rapprochement de l’art des masses populaires par la création d’un art moins académique. Etablir un lien avec la jeunesse et la musique pop, phénomène des années 1950-1960, devenue très à la mode à Londres.

Qui sont les artistes chefs de file du Pop Art?     Jasper Johns (né en 1930)   Robert Rauschenberg (né en 1925) Andy Warhol (né en 1928)   Roy Lichtenstein (né en 1923)   David Hockney (né en 1937), R.B.Kitai, Allen Jones (né en 1937) George Segal (né en 1924) , Wayne and James Rosenquist (né en 1933).

Jasper Johns

Robert Rauschenberg (né en 1925)

Robert Rauschenberg

Andy Warhol (né en 1928)

Roy Lichtenstein (né en 1923)

Roy Lichtenstein

Roy Lichtenstein

David Hockney (né en 1937)

Allen Jones (né en 1937)

George Segal (né en 1924)

James Rosenquist (né en 1933).

Keith Harring

Keith Harring

Andy Warhol

<< Si vous voulez tout savoir sur Andy Warhol, vous n'avez qu'à regarder la surface de mes peintures, de mes films, de moi. Me voilà. Il n'y a rien dessous >>. << Mon oeuvre n'a aucun avenir. Je le sais. Quelques années. Évidemment, mes choses ne voudront rien dire >>. Telle est la singulière manière que Warhol utilisait pour se présenter.

Marylin Monroe, Liz Taylor par un procédé sérigraphique sur toile années 70 ses activités picturales et produisit des séries à partir de Mao ou des portraits de commande En 1962 Marylin Monroe, Liz Taylor par un procédé sérigraphique sur toile années 60 des toiles reprenant l'imagerie quotidienne, étiquettes, bandes dessinées né à Pittsburgh en 1931 mort à New York en 1987 années 40 s'intéressa à la politique, aux transformations de la culture et de la civilisation américaine 1949 il commença sa carrière à New York comme dessinateur de publicité.  En 1963 il dépeignit la fache cachée de "l'american way of life" : émeutes, accidents, chaise électrique 1968 à 1972 il se consacra au cinéma, réalisant Kiss, Empire, Chelsea Girls

Un chroniqueur de son époque : Andy Warhol fut un remarquable observateur des années 1962-1987: assassinat de Kennedy destitution de Nixon suicide de Marilyn Monroe instauration du communisme en Chine violence dans les ghettos américains. Warhol a aussi bien rendu hommage aux personnages publics qu'à des inconnus. Il agit comme un observateur de génie à qui rien n'échappe. Warhol est dans ce sens une sorte de documentaliste de ce quart de siècle dans lequel il vécu.

Les styles de Warhol Andy Warhol reproduit fidèlement les traits d'une société bassement industrielle et commerciale. Il a pleinement participé aux innovations formelles des années 50. C'est l'oeuvre de Rothko, autre grand représentant du « color field painting » ( peinture par champs colorés ) qui a inspiré la dématérialisation des boîtes de Campbell’s Soup. L’œuvre de Warhol s’insère dans l'histoire de l'art abstrait américain. Il partage avec Jasper Johns Lichtenstein et Stella, une prédilection pour les compositions bicentrées. Warhol est en tous les cas au centre de l'art du redoublement au 20ème siècle. Mais il s'inscrit aussi dans l'histoire du minimalisme.

Un authentique " postmoderne " Plus tard Warhol recoupera les trajectoires de ses contemporains Jasper Johns ou Franck Stella en superposant sur les motifs de ses sérigraphies un travail purement pictural. Il se montrait aussi capable de combiner dans la même oeuvre architecturale ou plastique des références aux avant-gardes historiques et des formes traditionnelles. L’univers de Warhol, typiquement américain, est celui; de l'argent roi de la réussite financière. Warhol ne faisait pas de différence entre l'art et les affaires. Dans Ma philosophie de A à B il n'hésite pas à renchérir en déclarant que : << L'art des affaires est bien plus intéressant que l'art de l'art >> << Je fabrique toujours des saloperies pour que les gens les mettent dans leurs espaces qui, à mon avis, devraient rester vides. >>

La grandeur de Warhol Lucy Lippard critique artistique avaient notés que << fort éloigné d'être le meilleur peintre actuel, si on juge suivant les critères conventionnels, Warhol et par contre l'un des artistes les plus importants de notre temps, car il domine la plus intransigeante branche conceptuelle de l'art abstrait. >> Warhol utilise les images témoins de la consommation de masse jusqu'à saturation. Et une fois cette saturation atteinte, il change de sujet sans regret. C'est cette prodigieuse aptitude à la mutation-destruction des images symboles de la société américaine par saturation qui fait la grandeur ambiguë de Warhol. Les commentateurs les plus lucides disent : les figures en effet ne comptent plus car ce qui est en question, c'est l'univers du parcellaire, de la division et de la multiplication dont l'oeuvre de Warhol aura rendu compte comme nulle autre auparavant. Pour cela que pour comprendre l'oeuvre de Warhol il est nécessaire de comprendre ses méthodes de travail.

Marilyn Monroe Campbell Soup Flowers Bande dessinée . la mort Les chaussures Portraits

Sa technique Interventions artistiques de Warhol à celles d'un homme machine, passif et indifférent. Il a d'ailleurs souvent incité le public à croire que tout le monde pouvait faire la même chose que lui. Ces commentaires ironiques sur la créativité personnelle furent parmi les dernières oeuvres que Warhol réalisa sans avoir recours à la sérigraphie. << J'ai essayé de les faire à ma main, devait-il déclarer plus tard, mais je trouve que c'est plus facile avec l'écran de sérigraphie. Comme ça, je n‘ai pas du tout besoin de travailler sur les objets que je fais. Un de mes assistants, ou n'importe qui d'autre, peut reproduire les motifs aussi bien que moi. >> << Si vous voulez tout savoir sur Andy Warhol, vous n'avez qu'a regarder la surface de mes peintures .>> Ce que l'on a souvent pris pour une revendication provocante et ambiguë de sa propre superficialité pourrait être le simple constat d'une réalité : que pour chercher les sens de ses oeuvres il est inutile d'aller au delà des surfaces. Depuis les images qu'il réalisait pour la pub dans les années 50 jusqu'aux dernières oeuvres sérigraphiées sur toile, Warhol a inventé de multiples moyens de créer des surfaces qui semblaient à peines touchées par sa main.  

Merci de votre attention.