L’art non-représentatif (non-objectif) et art abstrait

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1 L’art non-représentatif (non-objectif) et art abstrait
Révision: Le fauvisme Expressionnisme allemand Art non-objectif de Kandinsky L’art abstrait: le cubisme

2 Les -ismes de l’art du XXème siècle
En parlant de nombreux –ismes de l’art de la première moitié du XXème siècle, tous tenant leur source dans le post-impressionnisme, nous avons commencé à parler de trois grands courants, auxquels tous ces -ismes peuvent se rattacher: Nous avons tout d’abord parlé d’expressionnisme, mettant l’accent sur l’attitude émotionnelle de l’artiste (envers lui-même et le monde extérieur): ainsi nous avons parlé du fauvisme en France, où les peintres séparent la couleur de sa référence à l'objet afin d'accentuer l'expression, (Henri Matisse:« l’expression n’est pas une passion reflétée sur le visage humain… Toute la composition de mon œuvre est expressive…») En Allemagne, l’expressionnisme est interprété d’une autre manière, alors que cette approche a ses conséquences les plus radicales dans l’œuvre de Vassily Kandinsky, qui crée un style entièremnet non-objectif… l’expressionnisme allemand avec les groupes Die Brücke (Kirchner), exprimant aussi une certaine critique sociale de leur époque et Der Blau Reitter (Vassili Kandinsky) qui, se basant sur l’idée que les éléments visuels sont expressifs en eux, arrive à un art non-objectif, composant librement, sans référence à la réalité, les lignes et les couleurs;

3 « Ce que je recherche avant tout, c’est l’expression, mais… l’expression n’est pas une passion reflétée sur le visage humain… Toute la composition de mon œuvre est expressive. La place des figures et des objets, les espaces vides autour d’eux, les proportions, tout joue un rôle.» Henri Matisse Danse, 1910, Hermitage Matisse, La joie de vivre, 1905 Matisse, Danse, 1910 À la différence du fauvisme, formel, l’expressionnisme allemend prend un engagement social et acquiert une dimension politique.

4 L’Expressionnisme allemand: Die Brücke (Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde…) Le groupe se préoccupe moins des aspects formels: pour ces Allemands, le contenu est plus important que la forme, ce qui sépare l’expressionnisme allemand du fauvisme de Matisse. Cette importance que les expressionnistes allemands attachent au contenu ajoute à leurs œuvres un aspect de critique sociale. Kirchner, Rue à Dresde, 1908 Kirchner, Scène de rue à Berlin 1913

5 Der Blau Reiter: Vassili Kandinsky ( ) à partir de 1910, crée un style entièrement non-objectif, où les traces du figuratif ne sont que fortuites: il élimine toute recherche de représentation du monde réel. Les titres de ses œuvres sont aussi abstraits et proviennent du langage de la musique, tels que « Composition » « Fugue », « Improvisation » etc… 1913 Saint georges terassant le dragon avec sa lance blanche de lumièere, cavalier bleu Kandinsky, Fugue, 1914 Esquisse pour la Composition VII, 1913

6 Vassili Kandinsky, Esquisse pour la Composition VII, 1913

7 Non-figuratif (non-objectif) vs. Abstrait
Art non-figuratif ou non-objectif charge la forme et la couleur d’une signification autonome, sans référence au monde réel (sans référence à un objet). Nous y avons vu aboutir les recherches de Vassili Kandinsky, reconnaissant aux éléments visuels une fonction expressive en soi. Art abstrait signifie que l’artiste a analysé et simplifié les formes de la réalité visible (comme le procédé de Cézanne, déclarant que toutes les formes naturelles sont basées sur le cône, la sphère et le cylindre). Nous parlons d’abstraction surtout en parlant du cubisme et des courants qui le suivent (et qui gardent une référence à la réalité). Nous allons dans la suite de notre cours parler de ces mouvement du début du XXème siècle qui vont surtout être préoccupé par la structure formelle de la réalité et de l’œuvre d’art et que nous appelons art abstrait: nous allons commencer avec le cubisme.

8 L’art de la première moitié du XXème siècle
Le fauvisme, L’expressionnisme allemand, L’art non-objectif Art abstrait: le cubisme, le néoplasticisme, le suprématisme L’imaginaire : Dada, art fantastique, le réalisme magique, le surréalisme

9 Le cubisme ( ) Le cubisme est un mouvement artistique qui prend sa source dans l’approche de Cézanne, telle qu’il l’explique dans une lettre à Émile Bernard « traitez la nature par le cylindre, la sphère, le cône… » (1904), et qui s'est développé de 1907 à 1914 à l'initiative des peintres Pablo Picasso et Georges Braque. Le terme cubisme provient d'une réflexion d'Henri Matisse, repris par le critique d'art Louis Vauxcelles, qui, pour décrire un tableau de Braque, parla de « petits cubes ». Les phases (basés sur les phases du cubisme de Picasso): le précubisme ( ) appelé aussi phase Cézanienne ou phase africaine; le cubisme analytique ( ) et le cubisme synthétique ( ). (Picasso va aussi avoir une phase post-cubiste (et des phases avant le cubisme…) Un autre courant du début du XXème siècle va surtout être préoccupé par la structure formelle de la réalité et de l’œuvre d’art: nous allons l’appeler art abstrait. Il s’agit du cubisme, du suprématisme et du néoplasticisme.

10 Les œuvres de Cézanne, mort en 1906, vont être exposées au Salon d’automne en Les distorsions de l’espace de ses natures mortes et les volumes construits à partir de facettes de couleurs tels que nous les voyons dans ses Montagnes Saint-Victoire, impressionnent les jeunes peintres, dont Matisse et Picasso... , Montagne Sainte-Victoire vue des Lauves , Coupe de fruits, verre et pommes

11 C’est Picasso qui va suivre cette filière et ainsi débute le cubisme: Les demoiselles d'Avignon, considéré le premier tableau cubiste va faire de Picasso la nouvelle vedette de l’avant garde… « aspirateur à idées » Picasso, Les demoiselles d'Avignon, 1907

12 Picasso s’inspire de Cézanne mais aussi de masques africains pour lutter contre l’héritage classique européen: il quitte la perspective traditionnelle et son point de vue unique, les figures et le décor sont « brisées » en facettes, les volumes ne sont pas modelés mais hachurés à la manière de Cézanne. Les hachures au lieu du modelé reprennent-elles la scarification visible sur les masque africains?

13 Les hachures du cubisme/ la scarification du visage visible sur les masques africains

14 Le cubisme va évoluer et avoir des phases: Pichets, coupes de fruits, verres… , puis le verre de 1911 (cubisme analytique)

15 Le cubisme analytique (1909/10-1912)
Le cubisme va évoluer et avoir des phases: à partir de 1910 c’est le cubisme analytique, qui « analyse  » les formes naturelles et les réduit aux figures de base, « le cube, le cylindre, la sphère, le cône ». Abandonnant la perspective et le point de vue unique, le motif est déconstruit à partir des vues successives sous des angles divers. Les multiples facettes ainsi obtenues sont ensuite juxtaposés sur la toile: la structure de la toile est systématique et complexe. Les contrastes de couleurs sont réduits au minimum et la toile approche la monochromie.

16 Mais le cubisme ne se détache jamais du monde visible: si le motif est stylisé (stylisation abstraite), la structure complexe et la toile presque monochrome, le titre donne la clé de lecture de la représentation. Le cubisme ne se détache jamais du monde visible, il est le style abstrait par excellence, dans le sens occidental du terme. Le cubisme, par son approche analytique du monde visible, ne s’en détache jamais… L’homme à la guitare, 1910 1911, L'Accordéoniste , Homme à la guitare

17 La stylisation abstraite du motif: la structure de la toile est systématique et complexe, mais le cubisme ne quitte jamais la représentation… Le cubisme, par son approche analytique du monde visible, ne s’en détache jamais… L’homme à la guitare, 1910 1911, L'Accordéoniste , Homme à la guitare

18 Cubisme analytique de Picasso (1909/10-1912)
, Portrait d’Ambroise Vollard 1910, Daniel-Henry Kahnweiler

19 Quand le cubisme risque trop de se détacher du monde reconnaissable, Picasso invente un nouveau procédé: il réintroduit des objets et des matériaux réels sur ses toiles: une nouvelle phase commence à partir de 1912, le cubisme synthétique. Nature morte et chaise cannée 1915, Violon L’homme à la guitare, 1910 Picasso, Guitare, 1913

20 Le cubisme synthétique (1912-1914): le collage
Une nouvelle phase du cubisme commence par la réintroduction des éléments de la réalité: il s’agit de collages des matériaux étrangers au monde de l’art donnant des indications de matière à l'objet représenté (faux bois ou toile cirée, papier peint, papier journal...). La majeure partie du tableau est toujours composée de facettes (cubisme analytique). Dans cette Nature morte et chaise cannée, Picasso ajoute un morceau de cannage de chaise, et la toile est encadrée d’une corde qui souligne encore la réalité matérielle de cette peinture.

21 Peinture-plateau: si le cubisme à facettes (analytique) garde une certaine profondeur de l’espace (survivances de la perspective Renaissance), dans le collage cubiste (cubisme synthétique) l’espace pictural est en avant de la surface du « plateau », crée par la superposition réelle des couches de matériaux collés. , Nature morte avec coupe de fruits sur une table 1912, Nature morte à la coupe de fruits

22 Peu de temps après Picasso et Braque découvrirent qu’ils pouvaient garder ce nouvel espace sans recourir aux matériaux collés: ils n’ont qu’à peindre comme s’ils faisaient des collages. Nous parlons de « style de papier découpé ». Cette période se caractérise par le retour de la couleur. 1917, l’Italienne 1921, Les trois musiciens 1921, Les trois musiciens

23 Picasso post-cubiste Picasso, qui connait alors une célébrité internationale, le cubisme s’étendant à tout le monde occidental, se lance dans une autre direction, que ses admirateurs vont considérer comme une trahison. Il peint les personnages massifs (Mère et enfant, 1921) renouant avec la tradition classique. Quelques années plus tard, ces deux styles vont converger dans une synthèse qui va devenir la base de son art par la suite…

24 Picasso post-cubiste Quelques années plus tard, ces deux styles vont converger dans une synthèse qui va devenir la base de son art par la suite… L’anatomie humaine devient matériel brut, l’identité d’origine des parties ne compte plus, le profil devient la vue de face, un bras d’enfant un sein, les seins les yeux etc… combinant différents points de vues de façon toute cubiste…

25 Nous voyons cette synthèse dans le tableau le plus célèbre de cette période, Guernica, peinte par Picasso en 1937… L’anatomie est devenue matériau brut, l’identité d’origine des parties du corps ne compte plus…

26 Italie: Le futurisme « Une voiture de course est plus belle que la Nike de Samothrace » proclame un groupe de jeunes intellectuels en Italie dans leur « Manifeste du futurisme », formulant cette fascination de l’homme du début du XXème siècle par le progrès technique. Les futuristes complètent par le temps d’observation, l’idée cubiste de déconstruire le point de vue unique, introduisant l’idée du mouvement et de vitesse, comme dans ces sculptures d’Umberto Boccioni, et cette peinture de Giacomo Balla: Boccioni, 1912, Developpement d’une bouteille dans l’espace Umberto Boccioni, Formes uniques de continuité dans l’espace, 1913 Giacomo Balla, Dinamisme du chien en laisse, 1912

27 Dans l’œuvre de Marcel Duchamp, un artiste dont on va reparler au cours prochain, cette idée futuriste de représenter la vitesse emprunte la syntaxe cubiste (mais ici même point de vue mais différents moments d’observation). e passage de la vierge à l 1911, Moulin à café 1912, La mariée 1912, Nu descendant un escalier

28 Piet Mondrian (1872-1944): le néo-plasticisme
Le cubisme ne se détachera jamais du monde visible et de la représentation: il reste le style abstrait par excellence. De même que les recherches des fauvistes sur l’expressivité des éléments visuels en eux mêmes vont porter les fruit les plus révolutionnaires chez Kandinsky, le cubisme sera porté à ses conséquences les plus radicales par un hollandais de 9 ans plus âgé que Picasso, Piet Mondrian. Voyons l’évolution de son style, sous l’influence du cubisme à facettes: 1908, Arbre rouge (Le soir) 1911, Arbre gris 1912,Cerisier

29 Les branches de l’arbre tendent progressivement à devenir une grille abstraite de lignes verticales et horizontales… 1912,Cerisier 1918, Composition

30 1908, Arbre rouge (Le soir) 1912,Cerisier 1911, l’Arbre gris
La société théosophique: La pensée théosophique (apparu seconde moitié du XIXème): idée de l’ordre cosmique du monde, au-delà du monde visible 1920, Composition au noir, rouge, gris, jaune et bleu 1913, Composition No. II 1918, Composition

31 Piet Mondrian: Le Néo-plasticisme
Mondrian va ainsi arriver à un style qui semble non-figuratif, qu’il va appeler Néo-plasticisme: il réduit sa composition à des lignes horizontales et verticales et aux trois couleurs primaires. Il contribue à la revue De Stijl fondée par Theo van Doesburg en 1917 1922, Tableau 2, en jaune, noir, bleu, rouge et gris 1921, Composition avec grand bleu, rouge, noir, jaune et gris 1921, Composition en rouge, jaune et bleu

32 1930, Composition No. 1- Lozange avec quatre lignes
1925, Composition I

33 1930, Composition en bleu, jaune, noir et rouge
, Rythme de lignes noires

34 Mondrian est théosophe!* Son art est donc abstrait…
Mais attention, Mondrian proclame que son but est « la réalité pure», qu’il définit comme un équilibre d’oppositions inégales mais équivalentes! Mondrian est théosophe!* Son art est donc abstrait… *Théosophie, recherchant la « Vérité éternelle » se basant sur l’experience du divin par extase spirituelle et intuition directe et un « corps de vérité » commun à toutes les religions et (théosophie antique, puis néoplatonisme, puis ds les années 70 New age)

35 Au début de la seconde guerre mondiale, il s’exile d’abord à Londres, puis aux États-Unis, où il réalise ses toiles ultimes, reflétant le dynamisme des villes américaines… , Broadway boogie woogie , New York City

36 Kazimir Malevitch ( ): « Du cubisme et du futurisme au suprématisme, un nouveau réalisme pictural » Le suprématisme, « le cubisme russe » « I have stepped over the horizon, out of the realm of things… » 1918, Carré blanc sur fond blanc

37 Le suprématisme: la suprématie de la forme pure
Le terme « suprématisme », évoque la suprématie du sentiment pur qui trouve un équivalent dans la forme pure, sans signification symbolique ou rationnelle. Le suprématisme, en Russie, est l'aventure artistique et spirituelle d'un seul homme, Kazimir Malevitch dont le point de départ est son exposition 0,10 de 1915, à Petrograd., pour laquelle il imprime une plaquette énonçant: Du cubisme et du futurisme au suprématisme, un nouveau réalisme pictural. le point de départ est son exposition 0,10 qui eut lieu en 1915, à Petrograd. Il fait imprimer une plaquette intitulée Du cubisme et du futurisme au suprématisme, un nouveau réalisme pictural. Carré noir sur fond blanc, 1915 Cercle noir, signé 1913, peint 1915 Huit rectangles rouges, 1915 Suprématisme,

38 Le tableau ne comporte plus que des formes pures et des couleurs pures, et ne renvoie à aucune autre réalité que la sienne. Le vocabulaire de formes suprématiste se limite au carré, au cercle et à la croix. Les couleurs sont de trois catégories: le fond blanc, représentant l'espace infini, le noir, réservé à la figure emblématique du carré et les couleurs primaires pour le reste. Le sujet d'une œuvre suprématiste est « la capture d'un moment de l'évolution des formes à travers les quatre dimensions »… Le vocabulaire de formes suprématiste se limite au carré, au cercle et à la croix, le carré étant la forme préférée de Malévitch, puisque c'est une forme scientifique et non naturelle, basique et universelle. Composition suprématiste ,1916 Suprématisme, 1916 1918, Carré blanc sur fond blanc

39 Malevitch, Carré blanc sur fond blanc, 1918
À partir de là, Malevitch s'engage de plus en plus dans la quête mystique d'un monde sans objet, le monde de la non-représentation. Il aboutit ainsi au Carré blanc sur fond blanc de La libération est accomplie, puisque le blanc est ce néant dévoilé, cet espace infini et l’ultime étape au-delà de laquelle la peinture n'est plus perceptible. « I have stepped over the horizon, out of the realm of things … » Malevitch, Carré blanc sur fond blanc, 1918

40 Il écrit son manifeste, Le monde comme non-objectivité, en 1926, et réussit à ne pas retourner ses œuvres en USSR après ses rétrospectives à Varsovie puis à Berlin et Munich, sentant que la révolution, d’abord favorable aux utopies artistiques, va changer de cours après la mort de Lénine. En arts cela va être le « réalisme socialiste »… Malevitch lui-même va retourner à un style plus représentatif… Malevich, Le Faucheur, 1930 La cavalerie rouge, Lui-même va retourner à un « tubisme » à la Léger…

41 Il va toutefois perdre sa place de directeur de l’Institut de la culture artistique de Petrograd, et doit renoncer à exposer les oeuvres suprématistes. Il arrivera toutefois à se faire tolerer et mourra de cancer en Sur sa tombe, un carré noir sur fond blanc.

42 Goran Đorđević, Mondrijan iz Narodnog muzeja, 1984
Mondrian et Malevitch restent les figures emblématiques de l’avant-garde, auxquels l’art contemporain va souvent faire référence. Goran Đorđević, Mondrijan iz Narodnog muzeja, 1984

43 Protiv umetnosti, Goran Đorđević, kopije 1979-85

44 Uroš Đurić, Disposable Hero of Populism, 2001
Uroš Đurić, Let iznad suprematističke ravnice Uroš Đurić, Disposable Hero of Populism, 2001

45 Tanja Ostojić, 1996-1998, Personnal Space, White on white

46 L’art abstrait analyse la réalité pour la rendre au moyen de ses éléments de base (figures géométriques, couleurs primaires). Si le cubisme et le futurisme ne se détachent pas de la réalité visible, le néoplasticisme et le suprématisme poursuivent cette recherche plus loin, dans une quête mystique de « la réalité pure ». Picasso, Homme à la guitare, 1910; Mondrian, 1921; Malevich, Suprématisme, 1916, 1918, Carré blanc sur fond blanc La réalité pure: analysée, réduite à ses figures de base, la réalité perçue comme un équilibre, la réalité transcendante…

47 En parlant de l’expression, nous avons vu des toiles comme celles-là:
Matisse, Danse, 1910, Picasso, Trois musiciens,1921, Mondrian, 1936, Vertical Composition with Blue and White,

48 Et nous ne sommes pas encore arrivé à l’art imaginaire
Et nous ne sommes pas encore arrivé à l’art imaginaire! Comme vous pouvez vous rendre compte, cette classification ne peut trancher net entre différentes tendances, et toutes les œuvres présentent en effet ces trois aspects à la fois: toute peinture analyse et abstraie la réalité visible, toute œuvre est expression, et toutes met en scène le travail de l’imaginaire de son auteur…

49 Art abstrait, dégagez l’essentiel
Le cubisme Le futurisme Le néoplasticisme Le suprématisme

50 Le cubisme ( ) Le cubisme est un mouvement artistique qui s'est développé de 1907 à 1914 à l'initiative des peintres Pablo Picasso et Georges Braque, s’inspirant de l’approche de Cézanne « traitez la nature par le cylindre, la sphère, le cône… » (1904) mais aussi des masques africains. Le terme cubisme provient d'une réflexion d'Henri Matisse, relayée par le critique d'art Louis Vauxcelles, qui, pour décrire un tableau de Braque, parla de « petits cubes ». Les phases (basés sur les phases du cubisme de Picasso): le précubisme ( ) appelé aussi phase Cézanienne ou phase africaine, le cubisme analytique ( ) et le cubisme synthétique ( ) (collage cubiste). , Montagne Sainte-Victoire vue des Lauves Masque Mahongwe Un autre courant du début du XXème siècle va surtout être préoccupé par la structure formelle de la réalité et de l’œuvre d’art: nous allons l’appeler art abstrait. Il s’agit du cubisme, du suprématisme et du néoplasticisme.

51 Le précubisme quitte le point de vue unique, représente des volumes traités en surfaces, rattachées aux angles vifs et hachurés (les hachures au lieu du modelé de tons pour rendre le volume) à la manière de Cézanne ou des masques africains. 1906, Autoportrait à la palette 1907, Nu (Buste) 1907, Buste d’un marin

52 Le cubisme analytique (1909/10-1912)
Le cubisme analytique « analyse  » les formes, les réduit aux figures de base, « le cube, le cylindre, la sphère, le cône ». Picasso et Braque abandonnent le point de vue unique, et rendent leur motif à partir des vues successives sous des angles différents. Les multiples facettes ainsi obtenues sont ensuite juxtaposés sur la toile: la structure de la toile est systématique et complexe. Les contrastes de couleurs sont réduits au minimum et la toile approche la monochromie.

53 Le cubisme synthétique (1912-1914): le collage
À partir de , une nouvelle phase du cubisme commence par la réintroduction des éléments de la réalité (collages de différents matériaux, donnant des indications de matière à l'objet représenté dans un but représentatif). Dans le collage cubiste l’espace pictural est en avant de la surface de la toile, nous parlons de « peinture plateau ». Guitare 1913 1912, Nature morte à la coupe de fruits

54 Peu de temps après Picasso et Braque découvrirent qu’ils peuvent garder ce nouvel espace sans recourir aux matériaux collés: ils n’ont qu’à peindre comme s’ils faisaient des collages. Nous parlons de « style de papier découpé ». Cette période se caractérise par le retour de la couleur. 1917, l’Italienne 1921, Les trois musiciens

55 Italie: Le futurisme « Une voiture de course est plus belle que la Nike de Samothrace » proclame un groupe de jeunes intellectuels en Italie dans leur « Manifeste du futurisme », formulant cette fascination de l’homme du début du XXème siècle par le progrès technique. Les futuristes complètent par le temps d’observation, l’idée cubiste de déconstruire le point de vue unique, introduisant l’idée du mouvement et de vitesse, comme dans ces sculptures d’Umberto Boccioni, et cette peinture de Giacomo Balla: Boccioni, 1912, Developpement d’une bouteille dans l’espace Umberto Boccioni, Formes uniques de continuité dans l’espace, 1913 Giacomo Balla, Dinamisme du chien en laisse, 1912

56 Piet Mondrian: Le Néo-plasticisme
Mondrian proclame que son but est « la réalité pure», qu’il définit comme un équilibre d’oppositions inégales mais équivalentes. Il réduit sa composition à des lignes horizontales et verticales et aux trois couleurs primaires. Il appelle son style néo-plasticisme. Il contribue à la revue De Stijl fondée par Theo van Doesburg en 1917 1922, Tableau 2, en jaune, noir, bleu, rouge et gris 1921, Composition avec grand bleu, rouge, noir, jaune et gris 1921, Composition en rouge, jaune et bleu

57 Kazimir Malevitch: le suprématisme
En Russie, Kazimir Malevitch crée « le suprématisme ». La suprématie du sentiment pur trouve un équivalent dans la forme pure: carré, cercle, croix. Les couleurs sont le fond blanc, représentant l'espace infini, le noir, réservé à la figure emblématique du carré et les couleurs primaires pour le reste. le point de départ est son exposition 0,10 qui eut lieu en 1915, à Petrograd. Il fait imprimer une plaquette intitulée Du cubisme et du futurisme au suprématisme, un nouveau réalisme pictural. Carré noir sur fond blanc, 1915 Cercle noir, signé 1913, peint 1915 1918, Carré blanc sur fond blanc Suprématisme,

58 Le sujet d'une œuvre suprématiste est « la capture d'un moment de l'évolution des formes à travers les quatre dimensions  »… Le vocabulaire de formes suprématiste se limite au carré, au cercle et à la croix, le carré étant la forme préférée de Malévitch, puisque c'est une forme scientifique et non naturelle, basique et universelle. Huit rectangles rouges, 1915 Suprématisme, 1916 Composition suprématiste,1916

59 L’art abstrait analyse la réalité pour la rendre au moyen de ses éléments de base (figures géométriques, couleurs primaires). Si le cubisme et le futurisme ne se détachent pas de la réalité visible, le néoplasticisme et le suprématisme poursuivent cette recherche plus loin, dans une quête mystique de « la réalité pure ». Picasso, Homme à la guitare, 1910, cubisme; Mondrian, Composition, 1921 néoplasticisme; Malevich, 1916, 1918, Carré blanc sur fond blanc, Suprématisme « La réalité pure »: analysée, réduite à ses figures de base, la réalité perçue comme un équilibre, la réalité transcendante…