L’art non-représentatif (non-objectif) et art abstrait Révision: Le fauvisme Expressionnisme allemand Art non-objectif de Kandinsky L’art abstrait: le cubisme

Les -ismes de l’art du XXème siècle En parlant de nombreux –ismes de l’art de la première moitié du XXème siècle, tous tenant leur source dans le post-impressionnisme, nous avons commencé à parler de trois grands courants, auxquels tous ces -ismes peuvent se rattacher: Nous avons tout d’abord parlé d’expressionnisme, mettant l’accent sur l’attitude émotionnelle de l’artiste (envers lui-même et le monde extérieur): ainsi nous avons parlé du fauvisme en France, où les peintres séparent la couleur de sa référence à l'objet afin d'accentuer l'expression, (Henri Matisse:« l’expression n’est pas une passion reflétée sur le visage humain… Toute la composition de mon œuvre est expressive…») En Allemagne, l’expressionnisme est interprété d’une autre manière, alors que cette approche a ses conséquences les plus radicales dans l’œuvre de Vassily Kandinsky, qui crée un style entièremnet non-objectif… l’expressionnisme allemand avec les groupes Die Brücke (Kirchner), exprimant aussi une certaine critique sociale de leur époque et Der Blau Reitter (Vassili Kandinsky) qui, se basant sur l’idée que les éléments visuels sont expressifs en eux, arrive à un art non-objectif, composant librement, sans référence à la réalité, les lignes et les couleurs;

« Ce que je recherche avant tout, c’est l’expression, mais… l’expression n’est pas une passion reflétée sur le visage humain… Toute la composition de mon œuvre est expressive. La place des figures et des objets, les espaces vides autour d’eux, les proportions, tout joue un rôle.» Henri Matisse Danse, 1910, Hermitage Matisse, La joie de vivre, 1905 Matisse, Danse, 1910 À la différence du fauvisme, formel, l’expressionnisme allemend prend un engagement social et acquiert une dimension politique.

L’Expressionnisme allemand: Die Brücke (Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde…) Le groupe se préoccupe moins des aspects formels: pour ces Allemands, le contenu est plus important que la forme, ce qui sépare l’expressionnisme allemand du fauvisme de Matisse. Cette importance que les expressionnistes allemands attachent au contenu ajoute à leurs œuvres un aspect de critique sociale. Kirchner, Rue à Dresde, 1908 Kirchner, Scène de rue à Berlin 1913

Der Blau Reiter: Vassili Kandinsky (1866-1944) à partir de 1910, crée un style entièrement non-objectif, où les traces du figuratif ne sont que fortuites: il élimine toute recherche de représentation du monde réel. Les titres de ses œuvres sont aussi abstraits et proviennent du langage de la musique, tels que « Composition » « Fugue », « Improvisation » etc… 1913 Saint georges terassant le dragon avec sa lance blanche de lumièere, cavalier bleu Kandinsky, Fugue, 1914 Esquisse pour la Composition VII, 1913

Non-figuratif (non-objectif) vs. Abstrait Art non-figuratif ou non-objectif charge la forme et la couleur d’une signification autonome, sans référence au monde réel (sans référence à un objet). Nous y avons vu aboutir les recherches de Vassili Kandinsky, reconnaissant aux éléments visuels une fonction expressive en soi. Art abstrait signifie que l’artiste a analysé et simplifié les formes de la réalité visible (comme le procédé de Cézanne, déclarant que toutes les formes naturelles sont basées sur le cône, la sphère et le cylindre). Nous parlons d’abstraction dans le procédé de Cézanne, et nous allons surtout en parler avec le cubisme et les courants qui le suivent (et qui gardent une référence à la réalité). Nous allons dans la suite de notre cours parler de ces mouvement du début du XXème siècle qui vont surtout être préoccupé par la structure formelle de la réalité et de l’œuvre d’art et que nous appelons art abstrait: nous allons commencer avec le cubisme.

Vassili Kandinsky, Esquisse pour la Composition VII, 1913

L’art de la première moitié du XXème siècle Le fauvisme, L’expressionnisme allemand, L’art non-objectif Art abstrait: le cubisme, le néoplasticisme, le suprématisme L’imaginaire : Dada, art fantastique, le réalisme magique, le surréalisme

Le cubisme (1907-1914) Le cubisme est un mouvement artistique qui s'est développé principalement de 1907 à 1914 à l'initiative des peintres Pablo Picasso et Georges Braque. Le cubisme prend sa source dans l’approche de Cézanne, telle qu’il l’explique dans une lettre à Émile Bernard « Traitez la nature par le cylindre, la sphère, le cône… » (1904) Le terme cubisme provient d'une réflexion d'Henri Matisse, relayée par le critique d'art Louis Vauxcelles, qui, pour décrire un tableau de Braque, parla de « petits cubes ». Les phases (basés sur les phases du cubisme de Picasso): le précubisme (1906-1910) appelé aussi phase Cézanienne ou phase africaine; le cubisme analytique (1910-1912) et le cubisme synthétique (1912-1914). Picasso va aussi avoir une phase post-cubiste (et des phases avant le cubisme…) Un autre courant du début du XXème siècle va surtout être préoccupé par la structure formelle de la réalité et de l’œuvre d’art: nous allons l’appeler art abstrait. Il s’agit du cubisme, du suprématisme et du néoplasticisme.

Nous allons aborder les phases du cubisme à travers l’évolution de l’œuvre de Pablo Picasso, auquel ce mouvement se rattache… Pablo Picasso (1881-1974) Fils d’un peintre, Picasso montre un talent précoce. En arrivant en France de son Espagne natale, il peint des tableaux mélancoliques, dominés par le bleu, (période bleu de 1901-1903), puis le rose (période rose, 1904-1906) avant d’évoluer vers une peinture plus hardie... El Greco, Munch

Les œuvres de Cézanne, mort en 1906, vont être exposées au Salon d’automne en 1907. Les distorsions de l’espace de ses natures mortes et les volumes construits à partir de facettes de couleurs tels que nous les voyons dans ses Montagnes Saint-Victoire, impressionnent les jeunes peintres, dont Matisse et Picasso... 1904-06, Montagne Sainte-Victoire vue des Lauves 1879-82, Coupe de fruits, verre et pommes

De nombreux artistes de cette génération s’inspirent de Cézanne: nous avons vu Matisse tenter les distorsions dans la représentation du corps dans son Nu bleu (Souvenir de Biskra) peint en 1906, une reprise du thème des baigneuses de Cézanne. Matisse, Nu bleu (Souvenir de Biskra), 1906

Mais Matisse se laisse décourager par les mauvaises critiques de ses distorsions, et revient aux corps anatomiquement corrects, stylisés et décoratifs… Matisse, Nu rose, 1935 Matisse, Nu Bleu IV, 1952

C’est Picasso qui ne va pas avoir peur de suivre cette filière et ainsi débute le cubisme: Les demoiselles d'Avignon, considéré le premier tableau cubiste va faire de Picasso la nouvelle vedette de l’avant garde… « aspirateur à idées » Picasso, Les demoiselles d'Avignon, 1907

Une autre source d’inspiration du cubisme est l’art africain et polynésien, que les fauves découvrent après Gauguin, et Picasso dans l’atelier de Matisse. Ainsi l’art africain et polynésien entre dans l’histoire de l’art occidentale avec le cubisme, comme les estampes japonaises avec l’impressionnisme… Masque Mahongwe Masque Kota, Gabon

Les début du cubisme: le précubisme (1906-1910) ou la période cézanienne ou africaine de Picasso… 1906, Autoportrait à la palette Autoportraits (1906, 1906 & 1907) La démarche du précubisme s'attache à la représentation des volumes traités en surfaces, hachurés à la manière de Cézanne (trait directionnel) mais aussi ressemblant aux masques africains.

Les volumes sont traités en surfaces, ils ne sont pas modelés mais hachurés à la manière de Cézanne. Ces hachures ressemblent aussi aux masques africains: les hachures au lieu du modelé reprennent-elles la scarification du corps visible sur les masques africains?

C’est par le style des masques africains que Picasso va lutter contre l’héritage classique européen: il quitte la perspective traditionnelle et son point de vue unique. Les figures et le décor sont « brisées » en facettes, se rattachant aux angles vifs. Les hachures au lieu du modelé reprennent-elles la scarification visible sur les masque africains?

Le précubisme quitte le point de vue unique, représente des volumes traités en surfaces, rattachées aux angles vifs et hachurés (les hachures au lieu du modelé de tons pour rendre le volume) à la manière de Cézanne ou des masques africains. 1906, Autoportrait à la palette 1907, Nu (Buste) 1907, Buste d’un marin

Les hachures du cubisme/ la scarification du visage visible sur les masques africains

Évolution du cubisme sur l’exemple des natures mortes: Pichets, coupes de fruits, verres… 1906-1909, puis le verre de 1911 (cubisme analytique)

Le cubisme analytique (1909/10-1912) La stylisation abstraite des motifs: les violentes distorsions de la phase cézanienne visibles dans les Demoiselle d’Avignon disparaissent, pour laisser la place à une analyse très cérébrale: la structure de la toile est systématique et complexe. Le cubisme analytique « analyse  » les formes naturelles et les réduit aux figures de base, « le cube, le cylindre, la sphère, le cône » tel que recommandé par Cézanne. À partir de 1910, Picasso et Braque vont coopérer et rivaliser d'inventivité pour pousser toujours plus loin la démarche; Ils vont rompre avec la vision classique, et abandonner la perspective et le point de vue unique du motif pour le déconstruire à partir des vues successives sous des angles divers: les multiples facettes ainsi obtenues sont ensuite juxtaposés sur la toile; Les contrastes de couleurs sont réduits au minimum et la toile approche la monochromie.

Cubisme analytique de Picasso (1909/10-1912) Dans les portraits et les natures mortes de cette période Picasso déconstruit le motif en de multiple facettes (les vues successives à partir de plusieurs points de vue) ensuite juxtaposés sur la toile; Les couleurs ne respectent pas la couleur réelle des objets, il s’agit de toiles qui approchent la monochromie (teintes gris, bleuté, ocre, marron). La transparence des plans aide à construire le relief de la toile. 1910, Daniel-Henry Kahnweiler 1909-10, Portrait d’Ambroise Vollard

La stylisation abstraite du motif: la structure de la toile est systématique et complexe… Le cubisme, par son approche analytique du monde visible, ne s’en détache jamais… L’homme à la guitare, 1910 1911, L'Accordéoniste 1911-13, Homme à la guitare

Mais le cubisme ne se détache jamais du monde visible: si le motif est stylisé (stylisation abstraite), la toile presque monochrome, à la structure systématique et complexe, les titres donnent les clés de lecture de la représentation. Le cubisme ne se détache jamais du monde visible, il est le style abstrait par excellence, dans le sens occidental du terme. Le cubisme, par son approche analytique du monde visible, ne s’en détache jamais… L’homme à la guitare, 1910 1911, L'Accordéoniste 1911-13, Homme à la guitare

Terminologie: Art abstrait vs. Art non-figuratif (non-objectif) Mais le cubisme ne se détache jamais du monde visible: il est le style abstrait par excellence, dans le sens occidental du terme. Terminologie: Art abstrait vs. Art non-figuratif (non-objectif) Art abstrait signifie que l’artiste a analysé et simplifié les formes de la réalité visible (comme le procédé de Cézanne, déclarant que toutes les formes naturelles sont basées sur le cône, la sphère et le cylindre). Nous parlons d’abstraction dans le procédé de Cézanne, et surtout avec le cubisme et les courants qui le suivent et qui gardent une référence à la réalité (par exemple, Portrait d’Ambroise Vollard de Picasso). Art non-figuratif ou non-objectif charge la forme et la couleur d’une signification autonome, sans référence au monde réel (sans référence à un objet) (l’exemple en est la Composition VII de Kandinsky).

Le cubisme, par son approche analytique du monde visible, ne s’en détache jamais… au lieu de franchir le cap vers un art non-objectif, Picasso fait un retour au monde visible, tout d’abord par la réintroduction des objets et des matériaux réels, qu’il applique sur ses toiles: une nouvelle phase commence… Nature morte et chaise cannée L’homme à la guitare, 1910 Picasso, Guitare, 1913

Le cubisme synthétique (1912-1914): le collage Une nouvelle phase du cubisme s’annonce par la réintroduction, à partir de 1911-12, des éléments de la réalité: il s’agit de collages des matériaux étrangers au monde de l’art donnant des indications de matière à l'objet représenté (faux bois ou toile cirée, papier peint, papier journal...). La majeure partie du tableau est toujours composée de facettes (cubisme analytique) Dans cette Nature morte et chaise cannée, Picasso ajoute un morceau de cannage de chaise, et la toile est encadrée d’une corde qui souligne encore la réalité matérielle de cette peinture.

À partir de 1912, Picasso et Braque réalisent leurs natures mortes presque entièrement de morceaux de différents matériaux collés, qui jouent un double jeu: ils sont assemblés dans un but représentatif, mais ne perdent pas leur identité originelle de matériaux étrangers au monde d’art, et soulignent ainsi ce nouveau concept de la « peinture plateau » … 1912, Violon 1913, Guitare 1915, Violon

Peinture-plateau: si le cubisme à facettes (analytique) garde une certaine profondeur de l’espace pictural, avec quelques survivances de la perspective Renaissance, dans le collage cubiste (cubisme synthétique) l’espace pictural est en avant de la surface du « plateau », crée par la superposition réelle des couches de matériaux collés. 1914-1915, Nature morte avec coupe de fruits sur une table 1912, Nature morte à la coupe de fruits

Le collage cubiste offre donc un nouveau concept de l’espace, avec l’espace pictural en avant de la surface du tableau, créé par la superposition réelle des couches de matériaux collés. Peu de temps après Picasso et Braque découvrirent qu’ils pouvaient garder ce nouvel espace sans recourir aux matériaux collés: ils n’ont qu’à peindre comme s’ils faisaient des collages. Nous parlons de « style de papier découpé ». Cette période se caractérise par le retour de la couleur. 1917, l’Italienne 1921, Les trois musiciens 1921, Les trois musiciens

Picasso post-cubiste Picasso, qui connait alors une célébrité internationale, le cubisme s’étendant à tout le monde occidental, se lance dans une autre direction, que ses admirateurs vont considérer comme une trahison. Il peint les personnages massifs (Mère et enfant, 1921) renouant avec la tradition classique. Quelques années plus tard, ces deux styles vont converger dans une synthèse qui va devenir la base de son art par la suite…

Picasso post-cubiste L’anatomie humaine devient matériel brut, l’identité d’origine des parties ne compte plus, le profil devient la vue de face, un bras d’enfant un sein, les seins les yeux etc… combinant différents points de vues de façon toute cubiste…

Nous voyons cette synthèse dans le tableau le plus célèbre de cette période, Guernica, peinte par Picasso en 1937… L’anatomie est devenue matériau brut, l’identité d’origine des parties du corps ne compte plus…

Le cubisme (1907-1914) Le cubisme est un mouvement artistique qui s'est développé principalement de 1907 à 1914 à l'initiative des peintres Pablo Picasso et Georges Braque, s’inspirant de l’approche de Cézanne « traitez la nature par le cylindre, la sphère, le cône… » (1904) mais aussi des masques africains. Le terme cubisme provient d'une réflexion d'Henri Matisse, relayée par le critique d'art Louis Vauxcelles, qui, pour décrire un tableau de Braque, parla de « petits cubes ». Les phases (basés sur les phases du cubisme de Picasso): le Précubisme (1906-1910) appelé aussi phase Cézanienne ou phase africaine; le Cubisme analytique (1910-1912) et le Cubisme synthétique (1912-1914). 1904-06, Montagne Sainte-Victoire vue des Lauves Masque Mahongwe Un autre courant du début du XXème siècle va surtout être préoccupé par la structure formelle de la réalité et de l’œuvre d’art: nous allons l’appeler art abstrait. Il s’agit du cubisme, du suprématisme et du néoplasticisme.

Le précubisme quitte le point de vue unique, représente des volumes traités en surfaces, rattachées aux angles vifs et hachurés (les hachures au lieu du modelé de tons pour rendre le volume) à la manière de Cézanne ou des masques africains. 1906, Autoportrait à la palette 1907, Nu (Buste) 1907, Buste d’un marin

Le tableau le plus célèbre de cette phase (aussi considéré le premier tableau cubiste) : Les demoiselles d'Avignon « aspirateur à idées » Picasso, Les demoiselles d'Avignon, 1907

Le cubisme analytique (1909/10-1912) Le cubisme analytique abandonne les distorsions de la phase cézanienne, et « analyse  » les formes, les réduisant aux figures de base, « le cube, le cylindre, la sphère, le cône » tel que recommandé par Cézanne: : la structure de la toile est systématique et complexe. Picasso et Braque abandonent la perspective et le point de vue unique pour déconstruire la motif à partir des vues successives sous des angles divers: les multiples facettes ainsi obtenues sont ensuite juxtaposés sur la toile; Les contrastes de couleurs sont réduits au minimum et la toile approche la monochromie.

Le cubisme synthétique (1912-1914): le collage Une nouvelle phase du cubisme commence par la réintroduction, à partir de 1911-12, des éléments de la réalité: il s’agit de collages de differents matériaux, assemblés dans un but représentatif et donnant des indications de matière à l'objet représenté (faux bois ou toile cirée, papier peint, papier journal...). Dans le collage cubiste (cubisme synthétique) l’espace pictural est en avant de la surface de la toile, nous parlons de peinture « plateau ». 1912, Nature morte à la coupe de fruits Guitare 1913 Une partie du tableau est toujours composée de facettes (cubisme analytique)

Par la suite, Picasso et Braque peignent comme s’ils faisaient des collages. Nous parlons de « style de papier découpé ». Cette période se caractérise par le retour de la couleur. 1917, l’Italienne 1921, Les trois musiciens

Le tableau le plus célèbre de cette période: Guernica, 1937 Après un court retour vers la perspective de point de vue unique et les corps anatomiquement corrects, Picasso fait une nouvelle synthèse des deux styles: il recombine les parties du corps, leur identité d’origine ne comptant plus… Le tableau le plus célèbre de cette période: Guernica, 1937