L’art non-représentatif (non-objectif) et art abstrait Révision: Le fauvisme Expressionnisme allemand Art non-objectif de Kandinsky L’art abstrait: le cubisme

Les -ismes de l’art du XXème siècle En parlant de nombreux –ismes de l’art de la première moitié du XXème siècle, tous tenant leur source dans le post-impressionnisme, nous avons commencé à parler de trois grands courants, auxquels tous ces -ismes peuvent se rattacher: Nous avons tout d’abord parlé d’expressionnisme, mettant l’accent sur l’attitude émotionnelle de l’artiste (envers lui-même et le monde extérieur): ainsi nous avons parlé du fauvisme en France, où les peintres séparent la couleur de sa référence à l'objet afin d'accentuer l'expression, (Henri Matisse:« l’expression n’est pas une passion reflétée sur le visage humain… Toute la composition de mon œuvre est expressive…») En Allemagne, l’expressionnisme est interprété d’une autre manière, alors que cette approche a ses conséquences les plus radicales dans l’œuvre de Vassily Kandinsky, qui crée un style entièremnet non- objectif…

« Ce que je recherche avant tout, c’est l’expression, mais… l’expression n’est pas une passion reflétée sur le visage humain… Toute la composition de mon œuvre est expressive. La place des figures et des objets, les espaces vides autour d’eux, les proportions, tout joue un rôle.» À la différence du fauvisme, formel, l’expressionnisme allemend prend un engagement social et acquiert une dimension politique. Matisse, Danse, 1910 Matisse, La joie de vivre, 1905

L’Expressionnisme allemand: Die Brücke (Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde…) Le groupe se préoccupe moins des aspects formels: pour ces Allemands, le contenu est plus important que la forme, ce qui sépare l’expressionnisme allemand du fauvisme de Matisse. Cette importance que les expressionnistes allemands attachent au contenu ajoute à leurs œuvres un aspect de critique sociale. Kirchner, Rue à Dresde, 1908 Kirchner, Scène de rue à Berlin 1913

Der Blau Reiter: Vassili Kandinsky ( ) à partir de 1910, crée un style entièrement non-objectif, où les traces du figuratif ne sont que fortuites: il élimine toute recherche de représentation du monde réel. Les titres de ses œuvres sont aussi abstraits et proviennent du langage de la musique, tels que « Composition » « Fugue », « Improvisation » etc… Esquisse pour la Composition VII, 1913 Kandinsky, Fugue, 1914

Non-figuratif (non-objectif) vs. Abstrait Art non-figuratif ou non-objectif charge la forme et la couleur d’une signification autonome, sans référence au monde réel (sans référence à un objet). Nous y avons vu aboutir les recherches de Vassili Kandinsky, reconnaissant aux éléments visuels une fonction expressive en soi. Art abstrait signifie que l’artiste a analysé et simplifié les formes de la réalité visible (comme le procédé de Cézanne, déclarant que toutes les formes naturelles sont basées sur le cône, la sphère et le cylindre). Nous parlons d’abstraction dans le procédé de Cézanne, et nous allons surtout en parler avec le cubisme et les courants qui le suivent (et qui gardent une référence à la réalité). Nous allons dans la suite de notre cours parler de ces mouvement du début du XXème siècle qui vont surtout être préoccupé par la structure formelle de la réalité et de l’œuvre d’art et que nous appelons art abstrait: nous allons commencer avec le cubisme.

Vassili Kandinsky, Esquisse pour la Composition VII, 1913

L’art de la première moitié du XXème siècle Le fauvisme, L’expressionnisme, L’art non-objectif Le cubisme, le néoplasticisme, le suprématisme L’imaginaire : Dada, art fantastique, le réalisme magique, le surréalisme

Le cubisme ( ) Le cubisme est un mouvement artistique qui s'est développé principalement de 1907 à 1914 à l'initiative des peintres Pablo Picasso et Georges Braque. Le cubisme prend sa source dans l’approche de Cézanne, telle qu’il l’explique dans une lettre à Émile Bernard « Traitez la nature par le cylindre, la sphère, le cône… » (1904) Le terme cubisme provient d'une réflexion d'Henri Matisse, relayée par le critique d'art Louis Vauxcelles, qui, pour décrire un tableau de Braque, parla de « petits cubes ». Les phases (basés sur les phases du cubisme de Picasso): le Précubisme ( ) appelé aussi phase Cézanienne ou phase africaine; le Cubisme analytique ( ) et le Cubisme synthétique ( ).

Pablo Picasso ( ) Fils d’un peintre, Picasso montre un talent précoce. En arrivant en France de son Espagne natale, il peint des tableaux mélancoliques, dominés par le bleu, (période bleu de ), puis le rose (période rose, ) avant d’évoluer vers une peinture plus hardie... Nous allons aborder les phases du cubisme à travers l’évolution de l’œuvre de Pablo Picasso, auquel ce mouvement se rattache…

Les œuvres de Cézanne, mort en 1906, vont être exposées au Salon d’automne en Les distorsions de l’espace de ses natures mortes et les volumes construits à partir de facettes de couleurs tels que nous les voyons dans ses Montagnes Saint-Victoire, impressionnent les jeunes peintres, dont Matisse et Picasso , Montagne Sainte-Victoire vue des Lauves , Coupe de fruits, verre et pommes

De nombreux artistes de cette génération s’inspirent de Cézanne: nous avons vu Matisse tenter les distorsions dans la représentation du corps dans son Nu bleu (Souvenir de Biskra) peint en 1906, une reprise du thème des baigneuses de Cézanne. Matisse, Nu bleu (Souvenir de Biskra), 1906

Mais Matisse se laisse décourager par les mauvaises critiques de ses distorsions, et revient aux corps anatomiquement corrects, stylisés et décoratifs… Matisse, Nu Bleu IV, 1952 Matisse, Nu rose, 1935

C’est Picasso qui ne va pas avoir peur de suivre cette filière et ainsi débute le cubisme: Les demoiselles d'Avignon, considéré le premier tableau cubiste va faire de Picasso la nouvelle figure de proue de l’avant garde… Picasso, Les demoiselles d'Avignon, 1907

Masque Mahongwe Masque Kota, Gabon Une autre source d’inspiration du cubisme est l’art africain et polynésien, que les fauves découvrent après Gauguin, et Picasso dans l’atelier de Matisse. Ainsi l’art africain et polynésien entre dans l’histoire de l’art occidentale avec le cubisme, comme les estampes japonaises avec l’impressionnisme…

Les début du cubisme: le précubisme ( ) ou la période cézanienne ou africaine de Picasso… Autoportraits (1906, 1906 & 1907) La démarche du précubisme s'attache à la représentation des volumes traités en surfaces, hachurés à la manière de Cézanne (trait directionnel) mais aussi ressemblant aux masques africains.

Les volumes sont traités en surfaces, ils ne sont pas modelés mais hachurés à la manière de Cézanne. Ces hachures ressemblent aussi aux masques africains: les hachures au lieu du modelé reprennent-elles la scarification du corps visible sur les masques africains?

C’est par le style des masques africains que Picasso va lutter contre l’héritage classique européen: il quitte la perspective traditionnelle et son point de vue unique. Les figures et le décor sont « brisées » en facettes, se rattachant aux angles vifs.

1907, Buste d’un marin1907, Nu (Buste) Le précubisme quitte le point de vue unique, représente des volumes traités en surfaces, rattachées aux angles vifs et hachurés (les hachures au lieu du modelé de tons pour rendre le volume) à la manière de Cézanne ou des masques africains.

Les hachures du cubisme/ la scarification du visage visible sur les masques africains

Évolution du cubisme sur l’exemple des natures mortes: Pichets, coupes de fruits, verres… , puis le verre de 1911 (cubisme analytique)

La stylisation abstraite des motifs: les violentes distorsions de la phase cézanienne visibles dans les Demoiselle d’Avignon disparaissent, pour laisser la place à une analyse très cérébrale: la structure de la toile est systématique et complexe. Le cubisme analytique « analyse » les formes naturelles et les réduit aux figures de base, « le cube, le cylindre, la sphère, le cône » tel que recommandé par Cézanne. À partir de 1910, Picasso et Braque vont coopérer et rivaliser d'inventivité pour pousser toujours plus loin la démarche; Ils vont rompre avec la vision classique, et abandonner la perspective et le point de vue unique du motif pour le déconstruire à partir des vues successives sous des angles divers: les multiples facettes ainsi obtenues sont ensuite juxtaposés sur la toile; Les contrastes de couleurs sont réduits au minimum et la toile approche la monochromie. Le cubisme analytique (1909/ )

Cubisme analytique de Picasso (1909/ ) Dans les portraits et les natures mortes de cette période Picasso déconstruit le motif en de multiples facettes (les vues successives de plusieurs points de vue) ensuite juxtaposés sur la toile; Les couleurs ne respectent pas la couleur réelle des objets, il s’agit de toiles qui approchent la monochromie (teintes gris, bleuté, ocre, marron). La transparence des plans aide à construire le relief de la toile. 1910, Daniel- Henry Kahnweiler , Portrait d’Ambroise Vollard

L’homme à la guitare, , Homme à la guitare1911, L'Accordéoniste La stylisation abstraite du motif: la structure de la toile est systématique et complexe…

L’homme à la guitare, , Homme à la guitare 1911, L'Accordéoniste Mais le cubisme ne se détache jamais du monde visible: si le motif est stylisé (stylisation abstraite), la toile presque monochrome, à la structure systématique et complexe, les titres donnent les clés de lecture de la représentation: le cubisme ne se détache jamais du monde visible: il est le style abstrait par excellence, dans le sens occidental du terme.

Terminologie: Art abstrait vs. Art non-figuratif (non-objectif) Art abstrait signifie que l’artiste a analysé et simplifié les formes de la réalité visible (comme le procédé de Cézanne, déclarant que toutes les formes naturelles sont basées sur le cône, la sphère et le cylindre). Nous parlons d’abstraction dans le procédé de Cézanne, et surtout avec le cubisme et les courants qui le suivent et qui gardent une référence à la réalité (par exemple, Portrait d’Ambroise Vollard de Picasso). Art non-figuratif ou non-objectif charge la forme et la couleur d’une signification autonome, sans référence au monde réel (sans référence à un objet) (l’exemple en est la Composition VII de Kandinsky). Mais le cubisme ne se détache jamais du monde visible: il est le style abstrait par excellence, dans le sens occidental du terme.

L’homme à la guitare, 1910 Le cubisme, par son approche analytique du monde visible, ne s’en détache jamais… au lieu de franchir le cap vers un art non-objectif, Picasso fait un retour au monde visible, tout d’abord par la réintroduction des objets réel, des matériaux, qu’il applique sur ses toiles: une nouvelle phase commence… Picasso, Guitare, 1913

Le cubisme synthétique ( ): le collage Une nouvelle phase du cubisme s’annonce par la réintroduction, à partir de , des éléments de la réalité: il s’agit de collages des matériaux étrangers au monde de l’art donnant des indications de matière à l'objet représenté (faux bois ou toile cirée, papier peint, papier journal...). La majeure partie du tableau est toujours composée de facettes (cubisme analytique) Dans cette Nature morte et chaise cannée, Picasso ajoute un morceau de cannage de chaise, et la toile est encadrée d’une corde qui souligne encore la réalité matérielle de cette peinture.

1912, Violon1913, Guitare À partir de 1912, Picasso et Braque réalisent leurs natures mortes presque entièrement de morceaux de différents matériaux collés, qui jouent un double jeu: ils sont assemblés dans un but représentatif, mais ne perdent pas leur identité originelle de matériaux étrangers au monde d’art, et soulignent ainsi ce nouveau concept de la « peinture plateau » … 1915, Violon

, Nature morte avec coupe de fruits sur une table 1912, Nature morte à la coupe de fruits Peinture-plateau: si le cubisme à facettes (analytique) garde une certaine profondeur de l’espace pictural, avec quelques survivances de la perspective Renaissance, dans le collage cubiste (cubisme synthétique) l’espace pictural est en avant de la surface du « plateau », crée par la superposition réelle des couches de matériaux collés.

Le collage cubiste offre donc un nouveau concept de l’espace, avec l’espace pictural en avant de la surface du tableau, créé par la superposition réelle des couches de matériaux collés. Peu de temps après Picasso et Braque découvrirent qu’ils pouvaient garder ce nouvel espace sans recourir aux matériaux collés: ils n’ont qu’à peindre comme s’ils faisaient des collages. Nous parlons de « style de papier découpé ». Cette période se caractérise par le retour de la couleur. 1917, l’Italienne1921, Les trois musiciens

Picasso post-cubiste Picasso, qui connait alors une célébrité internationale, le cubisme s’étendant à tout le monde occidental, se lance dans une autre direction, que ses admirateurs vont considérer comme une trahison. Il peint les personnages massifs (Mère et enfant, 1921) renouant avec la tradition classique. Quelques années plus tard, ces deux styles vont converger dans une synthèse qui va devenir la base de son art par la suite…

Picasso post-cubiste L’anatomie humaine devient matériau brut, l’identité d’origine des parties ne compte plus, le profil devient la vue de face, un bras d’enfant un sein, les seins les yeux etc… combinant différents points de vues de façon toute cubiste…

Nous voyons cette synthèse dans le tableau le plus célèbre de cette période, Guernica, peinte par Picasso en 1937… L’anatomie est devenue matériau brut, l’identité d’origine des parties du corps ne compte plus…

Italie: Le futurisme Giacomo Balla, Dinamisme du chien en laisse, 1912 Umberto Boccioni, Formes uniques de continuité dans l’espace, 1913 Boccioni, 1912, Developpement d’une bouteille dans l’espace Le futurisme est un mouvement de jeunes intellectuels en Italie, dont le manifeste « Une voiture de course est plus belle que la Nike de Samothrace » proclame cette fascination de l’homme du début du XXème siècle par le progrès technique, dont le mouvement et la vitesse semblent synonymes. Les futuristes complètent par le temps d’observation, l’idée cubiste de déconstruire le point de vue unique, introduisant l’idée du mouvement et de vitesse, comme dans ces sculptures d’Umberto Boccioni, et cette peinture de Giacomo Balla:

Voici en illustration du comment cette idée futuriste de représenter la vitesse emprunte la syntaxe des cubiste, les exemples d’œuvres d’un artiste dont on va reparler au cours prochain, Marcel Duchamp, et ses toiles… 1911, Moulin à café1912, La mariée1912, Nu descendant un escalier

Piet Mondrian ( ): le néo-plasticisme 1908, Arbre rouge (Le soir) 1911, Arbre gris1912,Cerisier Nous avons mentionné que le cubisme ne se détachera jamais du monde visible et de la représentation: il reste le style abstrait par excellence. De même que les recherches des fauvistes sur l’expressivité des éléments visuels eux mêmes vont porter les fruit les plus révolutionnaires chez Kandinsky, le cubisme sera porté à ses conséquences les plus radicales par un hollandais de 9 ans plus âgé que Picasso, Piet Mondrian. Voyons l’évolution de son style, sous l’influence du cubisme à facettes:

Les branches de l’arbre tendent progressivement à devenir une grille abstraite de lignes verticales et horizontales… 1912,Cerisier1918, Composition

1913, Composition No. II1918, Composition 1920, Composition au noir, rouge, gris, jaune et bleu 1908, Arbre rouge (Le soir) 1911, l’Arbre gris 1912,Cerisier

Piet Mondrian: Le Néo-plasticisme 1921, Composition avec grand bleu, rouge, noir, jaune et gris 1921, Composition en rouge, jaune et bleu 1920, Composition au noir, rouge, gris, jaune et bleu

Piet Mondrian: Le Néo-plasticisme Mondrian va ainsi arriver à un style complètement non-figuratif, qu’il va appeler Néo-plasticisme: il réduit sa composition à des lignes horizontales et verticales et aux trois couleurs primaires. 1921, Composition avec grand bleu, rouge, noir, jaune et gris 1921, Composition en rouge, jaune et bleu 1922, Tableau 2, en jaune, noir, bleu, rouge et gris

1925, Composition I 1930, Composition No. 1- Lozange avec quatre lignes

1930, Composition en bleu, jaune, noir et rouge , Rythme de lignes noires

Son but proclamé est « la réalité pure » qu’il définit comme un équilibre d’oppositions inégales mais équivalentes… Mondrian est théosophe…

, Broadway boogie woogie , New York City Au début de la seconde guerre mondiale, il s’exile d’abord à Londres, puis aux États-Unis, où il réalise ses toiles ultimes, reflétant le dynamisme des villes américaines…

Kazimir Malevitch ( ): « Du cubisme et du futurisme au suprématisme, un nouveau réalisme pictural » Le suprématisme, « le cubisme russe » 1918, Carré blanc sur fond blanc « I have stepped over the horizon, out of the realm of things… »

Le suprématisme: la suprématie de la forme pure Du cubisme et du futurisme au suprématisme, un nouveau réalisme pictural: Le suprématisme, en Russie, est l'aventure artistique et spirituelle d'un seul homme, Kazimir Malevitch dont le point de départ est son exposition 0,10 de 1915, à Petrograd. Le terme « suprématisme », évoque la suprématie du sentiment pur qui trouve un équivalent dans la forme pure, dégagée de toute signification symbolique ou rationnelle. Cercle noir, signé 1913, peint 1915 Huit rectangles rouges, 1915 Carré noir sur fond blanc, 1915 Suprématisme,

Suprématisme, , Carré blanc sur fond blanc Le tableau ne comporte plus que des formes pures et des couleurs pures, et ne renvoie à aucune autre réalité que la sienne. Le vocabulaire de formes suprématiste se limite au carré, au cercle et à la croix. Les couleurs sont de trois catégories: le fond blanc, représentant l'espace infini, le noir, réservé à la figure emblématique du carré et les couleurs primaires pour le reste. Le sujet d'une œuvre suprématiste est « la capture d'un moment de l'évolution des formes à travers les quatre dimensions »… Composition suprématiste,1916

Malevitch, Carré blanc sur fond blanc, 1918 « I have stepped over the horizon, out of the realm of things … » À partir de là, Malevitch s'engage de plus en plus dans la quête mystique d'un monde sans objet, le monde de la non-représentation. Il aboutit ainsi au Carré blanc sur fond blanc de La libération est accomplie, puisque le blanc est ce néant dévoilé, cet espace infini et l’ultime étape au-delà de laquelle la peinture n'est plus perceptible.

Il écrit son manifeste, Le monde comme non-objectivité, en 1926, et réussi à ne pas retourner ses œuvres en USSR après ses rétrospectives à Varsovie puis à Berlin et Munich, sentant que le vent de la révolution, d’abord favorable aux utopies artistiques, va tourner après la mort de Lénine, vers le « réalisme socialiste »… Lui-même va retourner à un style plus représentatif… La cavalerie rouge, Malevich, Le Faucheur, 1930

Il va toutefois perdre sa place de directeur de l’Institut de la culture artistique de Petrograd, et doit renoncer à exposer les oeuvres suprématistes. Il arrivera toutefois à se faire tolerer et mourra de cancer en Sur sa tombe, un carré noir sur fond blanc.

Goran Đor đ ević, Mondrijan iz Narodnog muzeja, 1984

Protiv umetnosti, Goran Đor đ ević, kopije

Uroš Đurić, Disposable Hero of Populism, 2001 Uroš Đurić, Let iznad suprematističke ravnice

Tanja Ostojić, , Personnal Space, White on white

En parlant de l’art abstrait, qui analyse la réalité visible pour la rendre au moyen de ses éléments de base, nous avons parlé du cubisme analytique, du futurisme, du néoplasticisme et du suprématisme. Nous sommes arrivés à des toiles comme cela: Mais attention, leurs auteurs prétendent y rendre la réalité pure! Analysée, réduite à ses figures de base, la réalité perçue comme un équilibre, la réalité transcendante mais la réalité…

En parlant de l’expression, par contre, nous avons vu des toiles comme celles-là:

Et nous ne sommes pas encore arrivé à l’art imaginaire! Comme vous pouvez vous en rendre compte, cette classification ne peut trancher net entre différentes tendances, et toutes les œuvres présentent en effet ces trois aspects à la fois: toute peinture analyse et abstraie la réalité visible, toute œuvre est expression, et toutes mettent en scène le travail de l’imaginaire de son auteur…