La Haute Renaissance en Italie Léonard de Vinci (1452-1519) Michel-Ange (1475-1564) Raphaël (1483-1520) Le Titien (1485?-1576)

La fin de la première renaissance: chute des Médicis, reprise du pouvoir politique par la papauté… La fin du quattrocento est marquée par des événements politiques qui influenceront beaucoup les arts: à Florence la chute des Médicis, et l’arrivée au pouvoir du moine dominicain Savonarole fanatique et apocalyptique (exécuté en 1498). Après l’autodafé de Savonarole, Florence redevient une république. Pendant ce temps, la papauté reprend sa puissance politique en Italie et devient un important centre de patronage artistique, ayant pour but que les monuments de la Rome chrétienne surpassent la beauté de la Rome païenne... Le projet le plus ambitieux de l’époque est la décoration de la chapelle Sixtine au Vatican à laquelle la plupart des grands artistes de l’époque vont participer. C'est à cette époque que Machiavelli écrit son œuvre majeure le Prince, pour instruire l'un des princes Medicis. Les Médicis mettront trente ans à reprendre grâce aux yeux des Florentins.

Nous avons vu, au cours dernier, la fresque La remise des clefs, peinte en 1485 dans la chapelle Sixtine par Pietro Perugino, présenter un manifeste sur l’art de la Première Renaissance. À partir de 1500, nous ne parlerons plus de la première, mais de la Haute Renaissance en Italie… (Jésus remet les clés du ciel à Saint Pierre, en disant « Tu es la pierre et sur cette pierre j’édifierai mon Église… et c’est à toi que je donne les clés du ciel… ») Pietro Perugino, La remise des Clefs, 1485, fresque, Chapelle Sixtine, Le Vatican

La Haute Renaissance La Haute Renaissance fait référence à l’art de la Rome papale, de Florence et de la république de Venise de 1500 à 1530. Avec la peinture de la Haute Renaissance, l’art occidental atteint son apogée. Les maîtres de cette période sont Léonard de Vinci (1452-1519), Michel-Ange (1475-1564) et Raphaël (1483-1520), alors qu’à Venise, dont nous avons vu le caractère spécifique, travaillent Giorgione et le Titien. Le plafond de la Chapelle Sixtine, le Vatican Michel-Ange, (1508-1512)

Léonard de Vinci (1452-1519) Homme Universel: réaliser une synthèse par la beauté Nouveautés techniques: Clair-obscur, sfumato Décrire « l’intention de l’âme humaine »

Léonard de Vinci (1452-1519) Un homme d'esprit universel, à la fois artiste, scientifique, ingénieur, inventeur, anatomiste, peintre, sculpteur, architecte, urbaniste, botaniste, musicien, poète, philosophe et écrivain, Léonard de Vinci est souvent décrit comme l'archétype et le symbole de l'homme universel de la Renaissance. Après son enfance à Vinci, Léonard est élève auprès du célèbre peintre et sculpteur florentin Andrea del Verrocchio. Il va ensuite travailler à Milan, Rome, Bologne et Venise. Il passera les dernières années de sa vie en France, à l'invitation du roi François Ier.

Atelier de Verrocchio: Baptême du Christ (1472-1475): le jeune Léonard réalise l’angelot agenouillé en bas à gauche.

L’Annonciation (1472-75) 1472-75, Annunciation, 98x217 Puis, toujours dans l’atelier de Verrocchio, cette Annonciation…

L’Adoration des Mages (1481-82), Ce travail inachevé de Léonard nous montre sa manière de peindre: les formes se matérialisent doucement et graduellement, sans se détacher tout à fait. Bois. À l’inverse de Botticelli par exemple, qui trace les objets les délimitant per un trait, Leonard en rend tout de suite la troisième dimension

Les formes surgissent de l’obscurité sans s’en détacher tout-à fait Les formes surgissent de l’obscurité sans s’en détacher tout-à fait. Les formes dans l’ombre restent incomplètes, leur contours à peine suggérés: cette méthode de modelage s’appelle le chiaroscuro, le clair-obscur… L’adoration des mages n’a pas été achevée…

C’est dans La vierge aux rochers que nous pouvons voir ce que le procédé du clair-obscur donne une fois la toile finie: les personnages semblent émerger de la demi-obscurité de la grotte, se détachent par leur clarté. bois La Vierge aux rochers, 1483-86

De plus, les formes sont comme voilées par une brume: nous appelons cette brume sfumato, la « fumée de Léonard ». Ce sfumato crée aussi une atmosphère de rêve, et donne à l’œuvre une dimension poétique, nous sentons qu’il ne s’agit pas d’une représentation objective de la réalité. bois La Vierge aux rochers, 1483-86

Mona Lisa (La Gioconda), (entre 1503 et 1506) Ces deux procédé, de chiaroscuro et de sfumato, se retrouvent dans la toile la plus connue de Léonard, la Joconde. Ces procédés sont ici si parfaitement réalisés que ses contemporains les ont trouvés miraculeux: « le sourire est si agréable qu'il semble divin plutôt qu'humain ; ceux qui l'ont vu ont été très surpris de constater qu'il semble aussi vivant que l'original», écrit Giorgio Vasari. bois Mona Lisa (La Gioconda), (entre 1503 et 1506)

Nous pouvons nous rendre compte de la nouveauté de ce procédé en comparant la Joconde avec la Vénus de Botticelli: pour détacher sa figure du fond, Botticelli en souligne les contours d’un trait… Détail, Venus, Botticelli, La Naissance de Vénus, vers 1480

Les contours de figures sont soulignées d’un trait pour se détacher du fond dans La Naissance de Vénus de Botticelli, vers 1480 …

…alors que nous voyons comment le cou et le visage de la Joconde sortent graduellement de l’ombre qui se confond avec la masse foncée des cheveux: nous appelons ce procédé le clair-obscur.

Léonard utilise aussi la technique de sfumato en voilant, ombrant subtilement comme si une brume, ou un voile couvraient le visage de la Joconde…

Ces mains aussi se matérialisent graduellement et prennent du volume par le modelage clair-obscur, ombrées par le sfumato: les parties de la manche à l’ombre se distinguent à peine du buste, tandis que la rondeur des mains se détache par sa clarté, non par une ligne de démarcation.

Mais la Joconde fascine aussi par sa personnalité: les traits semblent trop personnels pour représenter un idéal, pourtant l’idéalisation est si forte qu’elle cache le caractère du modèle. Ce sourire est-il un sourire, ou une expression symbolique et intemporelle tel le « sourire archaïque » des statues grecques archaïques?

Léonard, La Vierge, l'Enfant Jésus et sainte Anne, 1510 La Vierge, l'Enfant Jésus et sainte Anne reprend à nouveau le thème de personnages dans un paysage « d’une beauté irréelle ». Nous retrouvons le sourire intemporel de la Joconde, ici traduit comme douceur maternelle. Léonard, La Vierge, l'Enfant Jésus et sainte Anne, 1510

Nous pouvons, en comparant le tableau La Vierge, l'Enfant Jésus et sainte Anne avec le carton La Vierge, l'Enfant Jésus avec sainte Anne et saint Jean Baptiste voir la recherche de composition effectuée par Léonard: Nous pouvons, en comparant ce tableau avec le carton La Vierge, l'Enfant Jésus avec sainte Anne et saint Jean Baptiste qui a été fait en préparation de la présente composition du tableau La Vierge, l'Enfant Jésus et sainte Anne apprécier les modifications que Léonard a apportées à la composition du tableau final: La Vierge, l'Enfant Jésus avec sainte Anne et saint Jean Baptiste et La Vierge, l'Enfant Jésus et sainte Anne: recherche de composition

La Cène, vers 1495-1498, peinture murale, Santa Maria delle Grazie, Milan La Cène, la scène du dernier repas du Christ, énonce les idéaux de la Haute Renaissance. Il ne s’agit pas d’une fresque, mais d’une peinture murale: Léonard expérimente avec la technique d’où le très mauvais état de cette peinture.

Comparons la Cène de Léonard avec celle de Del Castagno, appartenant à la première renaissance. Andréa del Castagno, La Cène, vers 1445/50, fresque, Ste Apollonia, Florence Andréa del Castagno, La Cène, vers 1445/50, fresque, Ste Apollonia, Florence

Ou avec la Cène de Tintoret (1592-94), renaissance tardive ou manièrisme

La Cène de Léonard dégage une impression de stabilité et de calme, obtenue par un équilibre entre les deux groupes des apôtres agitées: la stabilité du tableau est la stabilité de la figure de Christ, centrale, le point de fuite est placé derrière sa tête, encadrée par la clarté de l’ouverture de la fenêtre, son fronton faisant une auréole… Jésus vient de prononcer « Un de vous me trahira » et l’agitation traduit l’incrédulité des apôtres. son attitude est celle de la soumission à la volonté divine, et une allusion à l’acte principal de la Cène, l’institution de l’Eucharistie.

La réaction de chaque personnage révèle la personnalité de chacun et illustre ce qui est selon Léonard le plus grand problème de la peinture: c’est de décrire « l’intention de l’âme humaine ». L’attitude du Christ est celle de la soumission à la volonté divine, il est déjà en deçà de l’agitation humaine des apôtres. Judas se détache par son profil sombre, méfiant, son poing serré: à la différence des habitudes iconographiques de l’époque, il n’est pas assis de l’autre côté de la table, son attitude le distingue suffisamment…

Léonard scientifique et ingénieur L'approche de la science par Léonard est très liée à l’observation: Léonard de Vinci a essayé de comprendre un phénomène en le décrivant et en l'illustrant en détail, en non pas en insistant sur les explications théoriques. Turbulances, embryon dans la matrice, Plans pour une machine volante, 1488, Institut de France, Paris. Vis aérienne

Léonard, homme universel selon l’idéal de la renaissance, développe une doctrine technique, née d’observations suivies d’expériences: il documente ses observation et ses réflexion par des dessins, et considère la peinture être l'expression visuelle d'un tout, proposant une « synthèse par la beauté » : « Qui blâme la peinture n'aime ni la philosophie ni la nature ». Étude de Léonard de Vinci sur le corps humain: ce dessin est connu sous le nom de l’homme de Vitruve, 1485-1490.

La Haute Renaissance Léonard de Vinci (1452-1519) Dégager l’essentiel: La Haute Renaissance Léonard de Vinci (1452-1519)

Dégager l’essentiel: La Haute Renaissance La Haute Renaissance fait référence à l’art de la Rome papale, de Florence et de la république de Venise de 1500 à 1530. Avec la peinture de la Haute Renaissance, l’art occidental atteint son apogée. Les maîtres de cette période sont Léonard de Vinci (1452-1519), Michel-Ange (1475-1564) et Raphaël (1483-1520), alors qu’à Venise, dont nous avons vu le caractère spécifique, travaillent Giorgione et le Titien. Le plafond de la Chapelle Sixtine, le Vatican Michel-Ange, (1508-1512)

Nouvautées techniques: Clair-obscur, sfumato Léonard de Vinci (1452-1519) Symbole de l’Homme Universel de la renaissance, décrire « l’intention de l’âme humaine », et réaliser une synthèse par la beauté , Nouvautées techniques: Clair-obscur, sfumato

Mona Lisa (La Gioconda), (entre 1503 et 1506) Léonard introduit deux procédés nouveaux dans la peinture occidentale: le chiaroscuro, le clair-obscur et de sfumato, la fumée de Léonard. Mona Lisa (La Gioconda), (entre 1503 et 1506)

Le cou et le visage de la Joconde sortent graduellement de l’ombre surgissent de l’obscurité sans s’en détacher tout-à fait: c’est le procédé de modelage par le clair-obscur. Pas de ligne de démarcation nette, comme une brume couvre le tableau: c’est le sfumato, « la fumée de Léonard ».

Nous pouvons nous rendre compte de la nouveauté de ces procédés en comparant la Joconde avec la Vénus de Botticelli: pour détacher sa figure du fond, Botticelli en souligne les contours d’un trait… Détail, Venus, Botticelli, La Naissance de Vénus, vers 1480

Tandis que chez Léonard, ces mains se matérialisent graduellement, sans ligne de démarcation nette et prennent du volume par le modelage clair-obscur.

La Cène, vers 1495-1498, peinture murale, Santa Maria delle Grazie La stabilité de cette composition obtenue aussi par la calme stabilité du Christ (en position centrale, le point de fuite derrière sa tête, ressortant sur fond du ciel vu par la fenêtre), mais aussi par l’équilibre des deux groupes d’apôtres, en eux agités. La réaction de chaque personnage en révèle sa personnalité et illustre, comme Léonard a écrit, le plus grand problème de la peinture, qui est de décrire « l’intention de l’âme humaine ». La Cène, vers 1495-1498, peinture murale, Santa Maria delle Grazie

Léonard, homme universel selon l’idéal de la renaissance, de son temps travaillent aussi comme ingénieur, inventeur, architecte… Il documente ses observation et ses réflexion par des dessins, et considère la peinture être l'expression visuelle d'un tout, proposant une « synthèse par la beauté ». Étude de Léonard de Vinci sur le corps humain: ce dessin est connu sous le nom de l’homme de Vitruve, 1485-1490.