Les peintres de la première renaissance Masaccio, puis Castagno, Piero della Francesca, Mantegna… Venise: le néoplatonisme et le paysage: Bellini, Botticelli Rome: la reprise du pouvoir des papes

Si en architecture la renaissance est marquée par un retour à l’antiquité classique , la renaissance en peinture est avant tout un retour à la nature, à l’observation directe de la nature. Cette observation directe va permettre la découverte des lois de la perspective linéaire, qui vont par la suite permettre aux peintres de représenter le monde qui nous entoure tel qu’il se présente à notre regard. Vers 1455 La Sainte Trinité, Masaccio, 1425, Santa Maria Nouvelle à Florence

Le premier: Masaccio (1401-1428) Nous avons vu que le nouveau style en peinture fut lancé par un peintre nommé Masaccio (1401-1428). La Sainte Trinité, que Masaccio peint en 1425 dans l’église Santa Maria Nouvelle à Florence, est la première œuvre monumentale qui obéit aux règles de la perspective mathématique énoncées par Brunelleschi. Mais Masaccio montre aussi sa connaissance de la nouvelle architecture, et de la renaissance en sculpture (volume du corps, contrapposto…) La Sainte Trinité, Masaccio, 1425, Santa Maria Nouvelle à Florence

Masaccio, 1427, Fresques de la Chapelle Brancacci, Santa Maria del Carmine, Florence: volume du corps, contrapposto…

La mort prématurée de Masaccio va laisser un vide La mort prématurée de Masaccio va laisser un vide. Ses contemporains vont peu à peu adopter le nouveau style, mais avec moins de force , clarté, consistance… Fra Angelico, l’Annonciation vers 1440-1450, fresque saint Marc de Florence, Fra Filippo Lippi vers 1440 Dans l’Annonciation de Fra Angelico (1440-1450), l’espace est en perspective mais les figures sont minces, décharnées, gothiques. Fra Filippo Lippi peint sa Vierge (vers 1440) aux détails réalistes mais perspective en somme irrationnelle… Fra Filippo Lippi, La Vierge à l’enfant, vers 1440 Fra Angelico, l’Annonciation vers 1440-1450

La plupart des peintures de la première renaissance présentent un sol carrelé et un plafond à cassettes… C’est un exercice de style, montrant que leurs auteurs connaissent bien les règles de la perspective linéaire… Cette fresque qu’Andréa del Castagno peint vers 1445/50, prolonge l’espace réel du réfectoire par la représentation du dernier repas du Christ, La Cène. Andréa del Castagno, La Cène, vers 1445/50, fresque, Ste Apollonia, Florence Andréa del Castagno, La Cène, vers 1445/50, fresque, réfectoire, Ste Apollonia, Florence

Domenico Veneziano va introduire un nouveau type de tableau d’autel appelé la Sainte conversation, La sacra conversazione. Ses couleurs sont très spécifiques: rose, vert clair, jaunes, évoquant la lumière pâle du petit matin. Veneziano (1410- ) s’établit à Florence en 1439 Vierge à l’enfant, (vers 1445, bois)

Piero della Francesca (1412/20- 1492) Mais pour retrouver un autre maître de l’envergure de Masaccio, il faudra attendre Piero della Francesca, un élève de Domenico Veneziano, dont il va reprendre l'utilisation de la lumière pâle et des couleurs expressives… La seconde génération des artistes de la première renaissance, et Élève de Veneziano à Florence, qu’il quitte quelques années plus tard La découverte de la vraie croix (1452-59), fresque, Saint François, Arezzo

La flagellation du Christ, 1469 Huile et tempera sur bois La flagellation du Christ, 1469

Piero della Francesca, La flagellation du Christ, 1469 Aussi connu comme géomètre et mathématicien dans son temps, Piero della Francesca construit l’espace de ses peintures en appliquant rigoureusement les règles de la perspective linéaire. Huile et tempera sur bois Piero della Francesca, La flagellation du Christ, 1469

Piero della Francesca, Résurrection, fresque, 1463 Il applique aussi strictement les règles de la perspective mathématique sur les corps, les traitant en corps géométriques (sphères, cylindres, cônes), arrivant ainsi à un aspect monumental, solennel de ses personnages, rappelant les personnages de Masaccio… intemporel Piero della Francesca, Résurrection, fresque, 1463

… alors que dans ce double portrait, le maître de la perspective linéaire montre ici aussi sa connaissance des règles de la perspective atmosphérique: les montagnes à l’horizon perdent en couleurs et en contraste, se confondant avec le ciel… Piero della Francesca, Portraits de Federico da Montefeltro et son épouse Battista Sforza, 1465/66

Mantegna (1431-1506): Le Christ mort À Padou, un autre peintre va explorer les cas extrêmes de cette perspective linéaire maintenant acquise par les peintres: c’est Mantegna (1431-1506). Son Christ mort, fortement raccourci, est insoutenable, dans la réalité de son corps sujet aux imperfections charnelles… Mantegna (1431-1506): Le Christ mort

Alors que son Saint Jacques conduit au supplice, présente un point de vue inhabituel, la scène est vue d’en bas. Mantegna, Saint Jacques conduit au supplice, 1455, fresque détruite pendant la Seconde guerre mondiale

La Cité idéale à Urbino, peinte vers 1470-1475, et longtemps attribuée à Piero della Francesca, montre l’intérêt des peintres de cette seconde génération d’artistes de la renaissance pour l’application rigoureuse des règles de la perspective linéaire, ici visible sur le carrelage du sol, les façades des bâtiments longeant la place et même le baptistère, rond, et rendu ovale en perspective… La Cité idéale, vers 1470-1475

Venise et le paysage lyrique: Giovanni Bellini (1431-1516) Les paysages lyriques sont la caractéristique de la Renaissance à Venise. Dans ce Saint François de Bellini, le saint, tout petit dans le paysage, est pieds nus, comme sur un sol sacré, et en extase mystique devant les beautés de ce monde, nous invitant à les admirer. Giovanni Bellini, Saint François en extase, 1485

Dans cette Vierge en Majesté entourée de Saints, que Bellini peint 20 ans après, nous retrouvons cette beauté du monde offerte à notre admiration. La Vierge est placée dans l’abside d’une église, nous la voyons à partir de la nef, mais à la place des bras du transept sont des baies ouvertes, par lesquelles nous entrevoyons un paysage. Une lumière naturelle baigne la scène, lui donnant une atmosphère calme et méditative. Giovanni Bellini, Vierge en Majesté entourée de saints, 1505, retable, Santa Zaccaria, Venise

Le Néoplatonisme: le sensible symbole de l’intelligible, la beauté des choses provenant de la splendeur divine, le Beau est le Bien… La renaissance a commencé avec un retour aux textes latin et grecs, repris, relus, traduits. Ainsi sont aussi traduites et commentées les œuvres complètes de Platon et de Plotin, qui exerceront un impact considérable sur l'art de la Renaissance. Se basant sur le mysticisme de Platon, le néoplatonisme considère que la vie de l’univers en général, et de l’homme en particulier, est lié à Dieu, de sorte que toutes les révélations de l’esprit humain, et non seulement la Bible et les écrits chrétiens, ont une valeur d’enseignement. Ainsi le néoplatonisme abolit les limites entre le sacré et le profane. Cette conception de l'Univers où le sensible (=qui peut être senti) symbolise l'intelligible (= qui peut être compris), et où la beauté des choses provient de la Splendeur Divine est particulièrement propice à inspirer les peintres, comme l'idée platonicienne selon laquelle le Beau est identique à l'Idée suprême, l’Idée qui est aussi le Bien dans d'autres dialogues… Cosme de Médicis, grand mécène des artistes et penseurs florentins, incite un de ses protégés, Marsile Ficin à traduire... le néoplatonisme fonde le dogme chrétien dans la pensée platonicienne, et abolit les limites entre le sacré et le profane.

Nous avons vu que des thèmes classiques étaient parfois employés dans l’art du Moyen Age, mais les mythes classiques étaient réinterprétés comme allégories chrétiennes. Les artistes ne pouvaient s’inspirer du répertoire classique de poses, gestes, expressions qu’en changeant l’identité de leur sujet: ainsi Bacchus devenait Jésus, les philosophes les apôtres, Hercule Samson…. Nous avons parlé du décalage entre le fond et la forme classique. Dionysos, Crète, Christ bon pasteur, catacombes romaines Dionysos, Crète, Christ bon pasteur reprenant les traits de Dionysos, catacombes romaines

Avec la pensée néoplatonicienne il est à nouveau possible de peindre dans une société chrétienne, les épisodes de la mythologie gréco-romaine, comme ici Botticelli, La Naissance de Vénus, vers 1480.

Le Néoplatonisme et Botticelli (1444-1510) Car cette Vénus est aussi Eve d’avant le péché, ou l’amour divin réapparaissant sur Terre, ou la nouvelle église chrétienne, qu’une fois sur terre, et habillée, elle va symboliser, et finalement cette renaissance dont l’époque revendique le nom… Détail, Venus, Botticelli, La Naissance de Vénus, vers 1480

Pour en savoir plus, explorer le site d’UQAM: http://revueexsituuqam Botticelli, La Naissance de Vénus, vers 1480

Botticelli (1444-1510), Le sacre du Printemps

Détail, Flore

La fin de la première renaissance florentine… Cette période est marquée par des événements politiques qui influenceront beaucoup les arts: à Florence la chute des Médicis, et l’arrivée au pouvoir du moine dominicain Savonarole (exécuté en 1498), connu pour ses sermons fanatiques et apocalyptiques. Après l’autodafé de Savonarole, Florence redevient une république, au sens des cités-État: avec l'influence des Cinq cents nobles c’est plutôt une ploutocratie. Les Médicis mettront trente ans à reprendre grâce aux yeux des Florentins. Pendant ce temps, la papauté reprend sa puissance politique en Italie et devient un important centre de patronage artistique. C'est à cette époque que Machiavelli écrit son œuvre majeure le Prince, pour instruire l'un des princes

Rome et la reprise de pouvoir politique par la papauté La papauté reprend sa puissance politique en Italie, et devient un important centre de patronage artistique, ayant pour but que les monuments de la Rome chrétienne surpassent la beauté de la Rome païenne. Le projet le plus ambitieux de l’époque est la décoration de la chapelle Sixtine au Vatican à laquelle la plupart des grands artistes de l’époque vont participer. Nous allons voir ici la fresque La remise des clefs peinte en 1485 par Pietro Perugino pour la chapelle Sixtine, qui au niveau du thème traite l’épisode fondatrice de la papauté, alors qu’au niveau formel elle présente un manifeste sur l’art de la première Renaissance. À partir de 1500, nous ne parlerons plus de la première, mais de la haute renaissance en Italie…

La fresque La remise des clefs de Pietro Perugino traite l’épisode fondatrice de la papauté, alors que du côté formel, elle peut être considérée le manifeste sur l’art de la première Renaissance... Pietro Perugino, La remise des Clefs, 1485, fresque, Chapelle Sixtine, Le Vatican

…car représentant toutes les acquisitions de la renaissance non seulement en peinture (le sol carrelé montre la maitrise de la perspective linéaire, la taille des personnages du moyen plan aussi, le paysage perdant couleurs et contraste à l’horizon montre la connaissance des règles de la perspective atmosphérique) mais aussi en architecture: la reprise des deux arcs de triomphe, exemples d’architecture de la Rome antique, et l’Église, de forme centrale, idéal de la renaissance, reprenant les éléments de l’architecture antique (arcs romains et éléments des temples grecs: colonnes, tympan) et finalement en sculpture, dans la manière les corps du premier plan sont rendus, volumineux et en contrapposto… Pietro Perugino, La remise des Clefs, 1485, fresque, Chapelle Sixtine, Le Vatican

Ainsi nous arrivons à la Haute Renaissance…